Top films 2020

Par Ph.D

Le Pitch

Mal né,  mais rusé et ambitieux, le jeune indien Balram Halwai (Adarsh Gourav) parvient à devenir le chauffeur d’une riche famille d’exploiteurs. La société l’ayant formé à une unique fonction – celle de servir – Balram se rend vite indispensable aux yeux de ses nouveaux maîtres. Mais alors qu’il croit être tiré d’affaire, un drame vient lui rappeler qu’ils n’hésiteront pas à le sacrifier si les choses tournent mal.  Balram se rebelle alors contre un système truqué et inégalitaire pour devenir un maître d’un nouveau genre…

Ce qu’on en pense

Mix de Parasite et de Slumdog Millionaire, Le Tigre Blanc nous entraîne dans l’Inde contemporaine,  où il faut une sacré dose d’ambition et de culot, mais surtout pas trop de scrupules,  pour réussir quand on vient des castes inférieures. C’est le cas de Balram (Adarsh Gourav)  qui manifestait à l’école primaire une intelligence supérieure à la moyenne,  mais que sa famille a préféré mettre au travail à casser du charbon plutôt que de l’encourager à poursuivre des études. Sans instruction, il devra gagner chèrement sa place au soleil, en écrasant les plus faibles et en s’attirant les bonnes grâces des puissants, sans éveiller leur méfiance. Découvert à Deauville avec l’excellent 99 Homes, Ramin Bahrani adapte le roman éponyme d’Aravin Adiga et dresse un panorama de l’Inde moderne qui fait froid dans le dos. Alourdi par un récit en voix off qui colle trop classiquement au texte du bouquin, le film vaut surtout pour l’immersion qu’il propose dans les différentes couches de la société indienne, avec une galerie de personnages dignes d’une version bollywoodienne  d’Affreux, sales et méchants.

Crise sanitaire oblige, le Festival du film fantastique de Gérardmer se tient lui aussi en ligne cette année. Dès le 27 janvier, pour un abonnement forfaitaire de 50 euros ou un ticket de 5 € par film, les amateurs de films d’horreur peuvent retrouver en ligne sur le site du festival  le meilleur de la sélection 2021: longs métrages, courts métrages, hors compétition et séances spéciales.  Parmi les longs métrages, trois films faisaent partie de la sélection Cannes 2020 : La Nuée de Just Philippot, Teddy des frères Boukherma et Aya et la sorcière de Goro Miyazaki. Mais l’un des plus attendus est sans nul doute Possessor, de Brandon Cronenberg, le fils du réalisateur de La Mouche, David Cronenberg. Au total Gérardmer Online promet à ses abonnés une vingtaine de longs métrages et une demi douzaine de courts en accès gratuit. Le réalisateur Niçois Bertrand Bonello préside le jury de cette 28e édition pas comme les autres.

Par Ph.D

Pas besoin de beaucoup réfléchir pour décerner à 2020 le titre de “pire année du 21è siècle“. Entamée avec l’Australie en flammes, on n’avait pas fini le mois de janvier,  que Donald Trump faillit déclencher la troisième guerre mondiale en faisant éliminer un gardien de la révolution iranienne !  Pendant ce temps, un coronavirus particulièrement vicieux se repassait de chauve-souris à Pangolin et à homme dans la riante province chinoise de Wuhan,  avant de devenir “la franchise mondiale la plus célèbre depuis Marvel” (sic) … C’est ce que nous rappelle ce  “mockumentaire” (documentaire satirique),  dont le titre fera sans doute l’unanimité  : Mort à 2020 ! On le doit aux créateurs de Black Mirror qui ont eu la bonne idée de demander à Samuel L Jackson et (surtout) à Hugh Grant de jouer les vrais-faux experts de plateaux télés,  pour nous raconter, avec force images d’archives et faux témoins, cette année mémorable entre toutes qu’on voudrait pourtant très vite oublier. Perruque blonde et lunettes d’intello, Hugh Grant est impayable en historien qui confond les faits d’actualité et les épisodes de Games of Thrones ou de Star Wars. Lisa Kudrow n’est pas mal non plus en porte parole de la maison blanche adepte de “vérité alternative“. La recension des élections américaines vaut son pesant de fake news ! On rit beaucoup,  mais jaune en disant que,  si on était tombé dessus par hasard,  on aurait très bien pu croire à un vrai documentaire sur 2020, tellement on a entendu d’âneries durant cette “année de merde“.

Par Ph.D

Le Pitch

En 1973, Beth (Sophia Lillis) , encore adolescente, quitte sa campagne natale pour aller étudier à l’Université de New York où enseigne son oncle Frank (Paul Bettany), un professeur de littérature réputé. Elle découvre rapidement qu’il est homosexuel et qu’il partage sa vie depuis longtemps avec son compagnon Wally (Peter MacDissy) ; une relation qu’il a toujours gardé secrète. Mais le jour où Mac (Stephen Root), le patriarche grincheux de la famille, décède subitement, Frank est contraint de retourner auprès des siens, accompagné de Beth et Wally, afin d’assister aux funérailles. Durant le trajet, il doit confronter les fantômes de son passé et regarder sa famille en face une fois arrivé sur place…

Ce qu’on en pense

Prix du public à Deauville, Uncle Franck est la première réalisation pour le cinéma  du scénariste d’American Beauty et de Six Feet Under, Alan Ball. Une histoire en partie autobiographique qui rappelle combien il était difficile d’être homosexeul dans les années 70 et, peut-être, aujourd’hui encore dans certains Etats particulièrement religieux et conservateurs. Elle est racontée par une jeune fille, Beth (Sophia Lillis, une découverte)  qui  quitte sa petite ville pour étudier à New York et découvre que le frère de son père, Franck (Paul Bettany), qu’elle admire et aime sincèrement depuis qu’elle est toute petite, est gay et mène une vie bien éloignée des préceptes dans lesquels elle a été éduquée. Intolérance, difficulté à s’accepter, non dits… Le scénario de ce drame familial est assez convenu,  mais le film  ne manque pas de charme et se regarde avec plaisir.

Par Ph.D

Le Pitch

Dans les années 50 aux Etats-Unis, décidé à faire fortune malgré sa couleur et son niveau social, le jeune Bernard Garrett (Anthony Mackie) s’associe à Joe Morris (Samuel L Jackson), un patron de bar aisé, pour racheter des appartements de blancs et les vendre à des noirs. Leurs affaires prospérant, ils rachètent une banque puis deux, défiant les lois raciales en vigueur, en se servant d’un prête-nom blanc Matt Steiner (Nicholas Hoult). Leurs ennuis commencent lorsqu’ils sont contraints de l’installer à la tête d’une de leurs banques…

Ce qu’on en pense

Produit par Samuel L Jackson et réalisé par George Nolfi (L’Agence, La Naissance du dragon) pour  Apple+, The Banker s’inspire de l’histoire véridique de deux entrepreneurs noirs américains qui avaient contourné les lois raciales pour faire fructifier leur business et en faire profiter la communauté noire, à laquelle il était quasiment impossible d’accéder à la propriété ou de lancer un commerce. Comme l’excellent  Green Book, qui était aussi inspiré d’une histoire vraie, le film reconstitue l’Amérique ségregationniste des années 50 sur le mode de la comédie dramatique en se servant de l’abattage des deux acteurs principaux pour enlever l’affaire. Bien écrit, bien dialogué, bien joué et bien réalisé, le film coche toutes les bonnes cases et constitue une des  pépites de la plateforme de streaming d’Apple.

On avait rencontré Jean-Pierre Bacri à la sortie de  Cherchez Hortense de Pascal Bonitzer. Une comédie grinçante, mais tendre dans laquelle la barbe de trois jours, la mine chiffonnée et la diction hésitante du râleur patenté du cinéma français faisait une nouvelle fois merveille. Plus causant et chaleureux à la ville qu’à l’écran, Bacri, qui a passé une partie de son enfance à Cannes et vient de nous quitter à l’âge de 69 ans, nous avait parlé de son métier d’acteur…

Vous semblez cultiver la rareté. C’est un choix délibéré?

C’est vrai que je ne fais qu’un film par an et qu’en ce sens je suis plus rare que la plupart des acteurs qui en font deux ou trois. Disons que je ne suis pas super actif et que l’oisiveté me convient bien. Je préfère voir des films, sortir avec mes copains, me balader, vivre tout simplement que tourner des trucs auxquels je ne crois pas vraiment. Agnès dit toujours quand elle n’a pas trois rendez vous dans la journée elle panique, alors que moi c’est quand j’en ai plus d’un que je panique…

On dit que vous refusez presque toutes les propositions…

Je lis beaucoup de scénarios et je ne demanderais pas mieux que de trouver ça merveilleux à chaque fois et de décrocher mon téléphone pour dire que je vais faire le film. Hélas, ce n’est pas le cas. Il y a très peu de choses qui me plaisent dans ce que je reçois. Je ne crois pas aux situations, les dialogues sont mal écrits ou injouables, les personnages secondaires ne sont que des faire valoir… Comme je suis à l’abri de la nécessité et que n’ai plus besoin de ça pour manger, je peux me permettre de faire le difficile. C’est un luxe, j’en conviens volontiers.

Du coup, qu’est ce qui vous a fait accepter ce film là ?

La qualité de l’écriture justement. J’ai été épaté par la pertinence, l’intelligence, la subtilité des dialogues et la facilité avec lesquelles on pouvait les jouer. En tant que dialoguiste, je suis toujours tenté de mettre mon grain de sel et de proposer des alternatives aux réalisateurs. Là, il n’y avait rien à changer, c’était parfait.  C’est la première fois que ça m’arrive. J’avais envie de le jouer tout de suite et j’ai d’ailleurs dit oui en deux heures.

L’histoire et les dialogues comptent plus que tout le reste pour vous?

Avec les acteurs, oui. Du temps où je m’énervais encore, j’avais fait un petit esclandre aux César en disant ça. Godard, notre grand génie des Alpages, venait de déclarer: “Le cinéma, c’est une caméra et du montage”. Déjà, les phrases qui commencent par “Le cinéma c’est…” ou “Les femmes sont…” , tu sais que ça va être une grosse connerie. Mais là, je pouvais pas laisser passer alors qu’on recevait le prix du scénario. Je le pense toujours. Si j’ai une bonne histoire et de bons acteurs, je peux prendre le risque de tourner avec un mauvais réalisateur. Il en restera toujours quelque chose. Le contraire n’est pas souvent vrai, même si je reconnais que certains films de Godard m’ont mis sur le cul.

Vous ne vous énervez plus maintenant?

J’ai compris que j’étais un guignol comme les autres, un jour, sur le plateau d’une émission de Christine Bravo. Je venais de faire toute une tirade spontanée sur le public de ces émissions, qui applaudit sur ordres et il y a eu un problème technique qui a fait qu’on a dû interrompre l’enregistrement. Philippe Gildas, qui produisait l’émission, est venu sur le plateau dire à Christine Bravo où il fallait reprendre et il a ajouté sans me regarder “l’autre aura qu’à refaire sa tirade”. Ça m’a fait bondir. Je lui ai dit ce que je pensais de ses manières et, depuis, je refuse presque tous les plateaux de télévision.

Comment vous accommodez vous malgré tout de l’exercice obligé de la promotion ?

Ce n’est pas la promo qui me casse les pieds, car j’aime rencontrer des gens. Ce qui m’embête, c’est d’avoir l’air de répéter les mêmes choses à chaque fois. Au début, tu dis des choses spontanées, mais au bout de deux ou trois interviewes, tu commences à te répéter, parce que, forcément, on aborde toujours les mêmes sujets. Tu cherches des synonymes et puis tu finis par tracer comme ça. C’est la loi du genre, mais j’ai parfois l’impression de vendre ma salade au lieu de réfléchir un peu intelligemment. Je fais donc mon possible pour rester dans le présent et pas me mettre en pilotage automatique.

Au début du film votre personnage, Damien, donne l’impression d’y être, lui, en pilotage automatique…

Oui et ce qu’il doit faire, intervenir auprès de son père pour éviter l’expulsion d’une jeune immigrée, va l’obliger à sortir de sa routine . C’est quelqu’un qui met beaucoup de temps à devenir ce qu’il est. J’ai été touché par sa faiblesse, sa vulnérabilité. Je fais en sorte d’être fréquentable, mais il m’est arrivé de ne pas être à la hauteur d’une situation, comme lui. Et comme tout le monde d’ailleurs, sinon on serait tous des héros.

Par Ph.D

Le Pitch

2024 :  le monde vit en confinement. Désormais, les personnes infectées du Covid-23 sont envoyées de force en quarantaine dans des camps devenus peu à peu d’inquiétants ghettos. A Los Angeles, Nico (K.J Apa) , coursier immunisé au virus,   arpente la ville en vélo et en moto. C’est ainsi qu’il fait la connaissance de Sara (Sofia Carson), une jeune femme confinée chez elle. Malgré les impératifs sanitaires qui les empêchent de s’approcher, Sara et Nico tombent amoureux. Mais lorsque Sara est suspectée d’être contaminée, elle est contrainte de rejoindre les camps de quarantaine. Nico tente alors l’impossible pour la sauver…

Ce qu’on en pense

Produit par Michael Bay (Transformers) et tourné l’été dernier pendant le confinement à Los Angeles, Songbird surfe lourdement sur la vague pandémique  en imaginant un futur dans lequel le Covid aurait gagné la partie et où,  à part quelques individus miraculeusement immunisés, la population vivrait confinée (pour les plus aisés) ou ghettoisée (pour les autres) et où le plus gros trafic serait celui de bracelet d’immunités, permettant de sortir des zones contaminées…  Un thriller bourrin et opportuniste,  mal dirigé et mal filmé,  au scénario bâclé et dont le seul intérêt réside dans les vues de Los Angeles désert qui n’ont nécessité aucun trucage numérique.

Par Phil Inout

Pendant la durée du confinement, le distributeur MK2 propose cinq films par semaine en accès gratuit sur sa plateforme vidéo MK2 Curiosity. Courts métrages, longs métrages, documentaires, films pour enfants, de réalisateur connus ou plus confidentiels, grand public ou cinéphiles, ces films sont disponibles gratuitement pendant 7 jours, du mercredi au mercredi, avec un accompagnement éditorial complet sous la forme d’une pastille vidéo d’introduction aux œuvres de la semaine par la comédienne et réalisatrice  Lubna Playoust, mais aussi des articles, d’analyses et d’entretiens. Une excellente manière de combler, sans bourse délier, son appétit de cinéma en attendant la réouverture des salles.  

Par Philippe DUPUY

Le Pitch

A Boston, Martha (Vanessa Kirby) et Sean Carson (Shia LaBeouf) s’apprêtent à devenir parents. Mais la vie du couple est bouleversée lorsque la jeune femme accouche chez elle et perd son bébé, malgré l’assistance d’une sage-femme (Moly Parker),  bientôt poursuivie pour acte de négligence. Martha doit alors apprendre à faire son deuil, tout en subissant une mère intrusive (Ellen Burstyn) et un mari de plus en plus irritable. Mais il lui faut aussi assister au procès de la sage-femme, dont la réputation est désormais détruite.

Ce qu’on en pense

Comme on finit l’année, on la commence: avec un grand film Netflix. Après David Fincher et Mank (Numéro 1 de notre top films 2020), la plateforme enfonce le clou avec Pieces of a Woman du Hongrois préféré de Cannes, Kornel Mundruczo. Découvert en 2014 avec White Dog, Mundruczo avait divisé la critique en 2017 avec La Lune de Jupiter, polar mystique et fantastique qui faisait d’un jeune migrant un super héros christique. Il devrait à nouveau faire l’unanimité avec Pieces of a Woman, superbe portrait de femme en forme de mélodrame qui suit la reconstruction d’une jeune mère après la perte de son premier enfant à l’accouchement. Réalisation virtuose (le plan séquence d’accouchement  restera dans les annales) et intimiste à la fois, direction d’acteur au top, casting parfait  (Vanessa Kirby découverte en sœur de la reine dans The Crown a reçu le prix d’interprétation à Venise pour son rôle de mère éplorée, Shia LaBeouf est trés bien aussi dans celui du mari), scénario impeccable :  le film coche toutes les bonnes cases. Pour sa première réalisation hors de son pays, Kornel Mundruczo signe une oeuvre bouleversante, dont l’atmosphère enneigée et la localisation dans le Massachussets pourront rappeler à ceux qui l’ont vu le très beau Manchester By the Sea de Kenneth Lonergan, autre grand film sur le travail de deuil…

Par Philippe DUPUY

Le Pitch

Jake (Jesse Plemmons) emmène sa petite amie (Jessie Buckley) pour lui présenter ses parents, qui vivent dans une ferme reculée. Elle a décidé de le quitter, mais ne le lui a pas encore dit. Le trajet et le séjour s’annoncent stressants…

Ce qu’on en pense

Bienvenue dans le film le plus barré de Netflix ! Il est l’oeuvre du scénariste Charlie Kaufman (Dans la peau de John Malkovich, Eternal Sunshine of the Spotless Mind) passé à la réalisation depuis 2008 avec Synecdoche New York et Anomalisa. Si Je veux juste en finir n’était pas une production Netflix, on aurait certainement vu le film en sélection à Cannes, en séance spéciale ou de minuit, où il aurait eu toute sa place. On y suit pendant plus de deux heures et  dans un format d’image rarement utilisé (le 1.33), le couple formé par Jesse Plemmons (vu dans Fargo 2, Barry Seal ,  The Irishman ) et Jessie Buckley (Le Voyage du Dr Dolittle) dans leur trajet en voiture vers la ferme des parents  du jeune homme. Entamé comme un road movie auteuriste et bavard, dans lequel la jeune femme rumine des pensées de séparation pendant que son fiancée pérore et chantonne au volant avec une voix de psychopathe,  le film vire au délire Lynchéen à l’arrivée dans la ferme des parents (qui changent d’âge et de comportement à chaque plan) puis au survival  dans la dernière partie lorsque, sur le chemin du retour pendant une tempête de neige, le couple s’arrête dans un bâtiment désert à la Shining.  Comme si ce n’était pas suffisant pour dérouter le spectateur, la séquence finale est digne d’un musical. Les ombres de David Lynch, Hitchcock et Kubrick planent sur ce film halluciné et hallucinant qui nécessite une bonne dose de patience et d’ouverture d’esprit pour être vu jusqu’au bout, mais qui mérite de l’être car on s’en souviendra longtemps.

Par Philippe DUPUY

Le pitch

Billie Holiday  est l’une des plus grandes voix de tous les temps. Elle fut la première icône de la protestation contre le racisme ce qui lui a valu de puissants ennemis. A la fin des années 1960, la journaliste Linda Lipnack Kuehl commence une biographie officielle de l’artiste. Elle recueille 200 heures de témoignages incroyables  : Charles Mingus  Tony Bennett, Sylvia Syms, Count Basie, ses amants, ses avocats, ses proxénètes et même les agents du FBI qui l’ont arrêtée….Mais le livre de Linda n’a jamais été terminé et les bandes sont restées inédites. BILLIE est l’histoire de la chanteuse qui a changé le visage de la musique américaine et de la journaliste qui est morte en essayant de raconter l’histoire de Lady telle qu’elle était. 

Ce qu’on en pense

Auteur de deux documentaires sportifs (sur Marco Pantani et les 24 heures du mans),  James Erskine s’est attaqué à une biographie filmée de Billie Holiday à la demande du producteur Barry Clark-Ewers.  Au cours de ses recherches préliminaires, le réalisateur est tombé sur l’histoire de la journaliste Linda Lipnack Kuehl, qui avait passé sa vie à recueillir  des témoignages et des interviews de la chanteuse,  en vue d’une biographie qu’elle n’a jamais écrite. Restés inédits,  les  enregistrements réalisés par la journaliste forment la matière sonore du film d’Erskine,  qui a utilisé toutes sortes d’images d’archives pour les illustrer , dans un superbe montage qui alterne interviews, témoignages et passages chantés. Les images colorisées des films de la chanteuse sur scène ou en studio donnent une patine de fiction au documentaire et rendent encore plus puissantes ses prestations. Parallèlement, Erskine raconte l’histoire de Linda Lipnack Kuehl, qui avait, semble-t-il,  fini par tellement s’identifier à son modèle qu’elle a fini par sombrer et ne plus pouvoir écrire une ligne. C’est que le destin de Billie Holiday est celui d’une star marquée par la souffrance et l’autodestruction. Première d’une longue lignée de chanteuses saisies par la dépression et la folie une fois arrivée au sommet, comme le remarque Tony Benett dans le film. De Whitney Houston à Britney Spears, on ne compte plus en effet le nombre de stars qui ont “disjoncté”, comme elle, sous la pression. Pourquoi ?  Le film de James Erskine donne quelques éléments de réponse…

Le pitch

Léa, Marc, Karine et Francis sont deux couples d’amis de longue date. Le mari macho, la copine un peu grande-gueule, chacun occupe sa place dans le groupe… Mais, l’harmonie vole en éclat le jour où Léa, la plus discrète d’entre eux, leur apprend qu’elle écrit un roman, qui devient un best-seller. Loin de se réjouir, petites jalousies et grandes vacheries commencent à fuser. Humain, trop humain ! C’est face au succès que l’on reconnait ses vrais amis… Le bonheur des uns ferait-il donc le malheur des autres ?

Ce qu’on en pense

Ecrit pour le théâtre, Le bonheur des uns s’est finalement monté au cinéma, en partie grâce au succès du Prénom qui a inspiré le texte au réalisateur Daniel Cohen ( Une Vie de prince, Les Deux mondes et Comme un chef).  François Damiens et  Florence Foresti jouent les amis du couple formé par Vincent Cassel et Bérénice Béjo. Leur amitié de longue date et l’équilibre du couple sont remis en question par le soudain et phénoménal succès littéraire du personnage incarné par Bérénice Béjo, dont rien ne laissait soupçonner qu’elle possédait un tel talent.  Avec un tel casting, le film oscille entre comédie et drame contemporain. Il se regarde sans déplaisir, mais le jeu des acteurs et la mise en scène trahissent trop souvent l’origine théâtrale du texte. On se dit qu’il aurait eu une meilleure résonance sur scène.

Le pitch

Patience Portefeux (Isabelle Huppert) est interprète judiciaire franco-arabe, spécialisée dans les écoutes téléphoniques pour la brigade des Stups. Lors d’une enquête, elle découvre que l’un des trafiquants n’est autre que le fils de l’infirmière dévouée qui s’occupe de sa mère. Elle décide alors de le couvrir et se retrouve à la tête d’un immense trafic ; cette nouvelle venue dans le milieu du deal est surnommée par ses collègues policiers “La Daronne”.

Ce qu’on en pense

Retour à la comédie pour Isabelle Huppert,  qui prend un plaisir évident à varier les genres et à alterner les déguisements d’interprète de police et de dealeuse de cités dans le nouveau film de Jean-Paul Salomé (Belphegor, Arsène Lupin, Je fais le mort…). Adapté sans relief  particulier du roman éponyme d’Hannelore Cayre, La Daronne tient en grande partie sur la performance de son actrice vedette. Mais les scènes de comédies les plus réussies sont quand même celles qui mettent en scène les pieds nickelés de banlieue que campent Rachid Guellaz (Scotch) et Mourad Boudaoud (Chocapic).

Par Philippe DUPUY

Le Pitch

Apparaissant sous un drap blanc, le fantôme d’un homme (Casey Affleck) rend visite à sa femme (Rooney Mara) en deuil dans la maison de banlieue qu’ils partageaient encore récemment.Dans ce nouvel état spectral, le temps n’a plus d’emprise sur lui. Condamné à ne plus être que simple spectateur de la vie qui fut la sienne, le fantôme se laisse entraîner dans un voyage à travers le temps et la mémoire. En proie aux ineffables questionnements de l’existence et à son incommensurabilité…

Ce qu’on en pense

Les blockbusters et les disputes conjugales ont parfois du bon. La preuve avec A Ghost Story, que David Lowery raconte avoir tourné pour prouver à son épouse – qui lui reprochait d’avoir vendu son âme à Hollywood avec Peter et Elliott le dragon-, qu’il était encore capable de réaliser un film indépendant comme Les Amants du Texas. Il a donc rappelé Casey Affleck et Rooney Mara et les a enfermés dans une maison abandonnée de la banlieue d’Irving au Texas, où il a grandi, pour y tourner, avec des moyens réduits et dans un format 4/3, ce film de fantômes à l’ancienne, avec drap blanc troué et sans effets spéciaux. Résultat: un petit chef d’œuvre poétique, qui a raflé trois prix (Prix du jury ex æquo, prix de la révélation, prix de la critique) à Deauville. Entamé comme un nouveau Paranormal Activity, avec longs plans fixes et musique angoissante (signée Daniel Hart), A Ghost Story glisse insensiblement vers le surréalisme et, après un plan fixe (déjà culte) de 4 minutes sur Rooney Mara en train de manger une tarte pour tromper son chagrin, finit par former une vaste fresque temporelle qui va de l’Amérique des pionniers à nos jour. Le tout en 1h30 chrono et sans quitter la maison abandonnée, où le fantôme de Casey Affleck semble condamné à errer pour l’Éternité ! Une épopée intimiste et claustrophobique à (re)voir absolument sur Netflix. 

Par Philippe DUPUY

Le Pitch

Theresa et Robert (Richard Jenkins, Debra Winger) n’ont appris à leur fille unique, Old Dolio (Evan Rachel Wood), qu’à escroquer, arnaquer et voler à toute occasion. Pour leur prochain coup, ils recrutent une jolie inconnue, Mélanie (Gina Rodriguez), rencontrée par hasard. Son arrivée va dangereusement bouleverser la routine d’Old Dolio…

Ce qu’on en pense

Découverte en 2005 avec l’étonnant  Moi, toi et tous les autres,  Miranda July appartient à une lignée de cinéastes indépendants bien barrés, qui va de Wes Anderson à Gregg Araki en passant par Michel Gondry ou Quentin Dupieux. Kajillionaire est son troisième long métrage et son meilleur à ce jour. Il met en scène une famille qui pourrait rappeler par certains cotés celle de Parasite, la Palme d’or de Bong Joon-ho : un couple de quasi SDF qui vit d’expédients et de vols à l’étalage,  dont ils entassent le butin dans un hangar de zone industrielle régulièrement inondé par les débordements de l’usine à bulles d’à côté. Leur fille de 26 ans,  baptisée Old Dolio en mémoire d’un SDF qui avait touché le loto, est quasi autiste. Mais elle va s’ouvrir à la vie au contact de Mélanie,  une fille de son âge que sa curiosité (et peut-être déjà un petit cruch pour Old Dolio) pousse à suivre ce curieux trio. Le film se déploie en petites vignettes drolatiques où le burlesque côtoie l’absurde et le tragique. Il est porté par la performance d’Evan Rachel Woods (méconnaissable avec ses longs cheveux filasses , son jogging informe et sa voix d’outre tombe) et celle de Gina Rodriguez,  qui lui donne la réplique dans le rôle de la pétulante Mélanie. C’est drôle et émouvant et toujours surprenant : on ne sait jamais sur quoi va déboucher la scène en cours, jusqu’au final qui vous cueille par surprise et pourrait bien vous arracher des larmes de bonheur. Coup de cœur de la semaine !   

Par Ph. D

Le Pitch

Harlem, années 60. Sylvie (Tessa Thompson) rencontre Robert (Nnamdi Assomuga). Ce dernier est saxophoniste dans un groupe de jazz le soir et vendeurs de disques dans le magasin du père de Sylvie,  le jour. Après une romance estivale interdite (Sylvie est déjà fiancée à un jeune homme de bonne famille), Robert s’envole pour jouer dans un club parisien. Mais il a laissé un souvenir à Sylvie…

Ce qu’on en pense

Une romance jazz dans le New York des années 60 avec la fiancée de Creed (Tessa Thompson) ? Chouette !  Sauf que la réalisation de Eugene Ashe (inconnu au bataillon) est d’une platitude qui dépasse l’entendement. Il faut deux heures pour venir à bout d’un scénario dont on sait au bout de 10 minutes comment il se terminera. Le thème de l’émancipation féminine est aussi laborieusement abordé que celui de l’amour qui transcende (ou pas) les barrières sociales. Seule la qualité de l’interprétation et de la reconstitution d’époque justifie de jeter un œil distrait sur cette production sans relief pour dimanche après midi somnolent

En cette année particulière, marquée par deux fermetures consécutives de plusieurs semaines pour raisons sanitaires, l’actualité cinéma s’est faite autant sur les plateformes de streaming et de VoD qu’en salles. Du coup, pour la première fois,  plusieurs films uniquement distribués en digital trouvent leur place dans notre classement annuel. A commencer par le premier !

Mank

Hollywood, 1940 :  victime d’ un accident de voiture qui le cloue au lit pour plusieurs mois, le scénariste Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman), alcoolique invétéré au regard acerbe, est envoyé par Orson Welles (Tom Burke) dans une villégiature isolée du désert de Mojave, avec 60 jours pour lui écrire un scénario : ce sera Citizen Kane… Dans un sublime noir et blanc,  qui rappelle évidemment le chef d’oeuvre d’Orson Welles,  David Fincher (Fight Club, Zodiac, The Social Network) fait une démonstration de mise en scène époustouflante. En d’autres temps, ce film aurait enflammé la Croisette et décroché une Palme d’or.

Drunk

Quatre amis décident de mettre en pratique la théorie d’un psychologue norvégien selon laquelle l’homme aurait dès la naissance un déficit d’alcool dans le sang… Entre drame et comédie, le trublion danois Thomas Vinterberg signe un de ses meilleurs films. Prosit ! 

Uncut Gems

Après avoir fait sensation à Cannes pour leur première sélection en compétition avec Good Time et un Robert Pattinson transfiguré, les frères Safdie débarquent sur Netflix,  avec un thriller virtuose mené à tout berzingue dans le New York de Scorsese et Abel Ferrara.

Thee Wreckers Tetralogy

Les  déambulations d’un groupe de rock virtuel dans un univers d’art vidéo et de BD… Quatre courts métrages de l’artiste nééerlandais Rosto, décédé en 2019, montés sous forme de cadavre exquis. Un cauchemar de Tim Burton sous drogues psychédéliques. Pour amateurs de rock industriel et de cinéma de l’étrange.

Adieu les cons

Dupontel paye son tribut aux Monty Python qui ont formé son goût pour le cinéma. Le scénario s’inspire d’ailleurs franchement de Brazil, le chef d’oeuvre de Terry Gilliam, dont il remet l’intrigue à l’heure des nouvelles technologies et des réseaux sociaux. Plus maîtrisé que ses prédécesseurs, le nouveau film d’Albert Dupontel  n’en est pas moins drôle, ni  féroce. Au contraire !

Ondine

Ondine (Paula Beer)  vit à Berlin, elle est historienne et donne des conférences sur la ville. Quand l’homme qu’elle aime la quitte, le mythe ancien la rattrape… Christian Petzold (Transit, Phoenix, Barbara…) revisite le mythe d’Ondine dans un film sensoriel au charme envoûtant. 

Petite Fille/Adolescentes 

En deux documentaires sensibles et lumineux, Sébastien Lifshitz explore l’enfance, l’adolescence , la famille et  le genre, confirmant qu’il est un de nos meilleurs cinéastes du réèl.

1917

Entre film de guerre, survival et jeu vidéo à la Medal of Honor, 1917 embarque le spectateur dans une expérience des tranchées ultra-immersive, grâce à un dispositif filmique constitué de longs plans séquences raccordés pour sembler n’en faire qu’un seul. Un film virtuose et spectaculaire signé Sam Mendes.

Tenet 

Muni d’un seul mot de passe – “Tenet”  – et prêt à tout pour sauver le monde, un agent de la CIA (John David Washington) traque un oligarque Russe (Kenneth Branagh), qui détient une machine permettant d’inverser le temps et menace l’ordre mondial. Le James Bond mental et à rebrousse temps de Christopher Nolan. Du cinéma quantique pour multiplexes !

Trois étés

Un Roma brésilien, qui dresse un état des lieux décapant de la société brésilienne, avec une bourgeoisie corrompue servie par un petit peuple d’employés dévoués et pleins de ressources. A l’image de la magnifique Mada (Regina Casé), gouvernante dont le grand sourire et les facéties cachent des drames autrement plus terribles qu’un simple revers de fortune…

Le Pitch

Dans une rue de Paris, un inconnu croit reconnaître en Joachim (Jonathan Couzinié) un soldat mort en Bosnie le 21 août 1983. Or, le 21 août 1983 est le jour même de la naissance de Joachim. Troublé par la possibilité d’être la réincarnation de cet homme, il décide de partir pour Sarajevo avec ses amies Alice (Adèle Haenel)  et Virginie (Antonia Buresi). Dans ce pays hanté par les fantômes de la guerre, ils se lancent corps et âme sur les traces de la vie antérieure de Joachim.

Ce qu’on en pense

Filmé comme un reportage, avec des acteurs qui s’adressent à la caméra,  le premier film d’Aude Léa Rapin étonne par sa propension à mélanger fiction métaphysique et réalisme brut. Surtout sur une histoire de aussi improbable de réincarnation !  Le dispositif tient en haleine jusqu’au bout de ce road movie en Bosnie,  où les protagonistes croisent autant de fantômes que de vivants. Les grands yeux écarquillés d’Adèle Haenel sont comme ceux du spectateur, incrédule mais intrigué par ce cocktail de métaphysique et de romanesque.  Présenté l’an dernier à la semaine de la Critique à Cannes, le film laisse une  trace quand tant d’autres sont aussitôt oubliés.

Par Philippe DUPUY

Le pitch

Kyle (Kyle Marvin) et Mike (Michael Angelo Covino) sont deux meilleurs amis aux tempéraments très différents mais dont l’amitié a toujours résisté aux épreuves de la vie. Jusqu’au jour où Mike couche avec la fiancée de Kyle. Alors que l’amitié qui les lie aurait dû être irrémédiablement rompue, un événement dramatique va les réunir à nouveau…

Ce qu’on en pense

C’est une histoire d’amitié. Celle, apparemment idéale, des deux acteurs  Michael Angelo Covino et Kyle Marvin,  qui ont écrit et joué le film (réalisé par Covino), pour se donner un emploi. Et celle, nettement plus toxique des deux héros Kyle et Mike, amis d’enfance qui,  malgré leurs différents (et pas des petits ! )  n’arrivent pas à se détester suffisamment pour se séparer à jamais. Ce que ferait n’importe quel esprit un peu sensé si son copain se débrouillait pour saborder systématiquement ses histoires d’amour et presque toutes les virées “entre amis”. Le film commence dans le col de Vence (Michael Angelo Covino a des attaches en France),  où les deux potes font du vélo avant le mariage de Kyle. C’est le moment que choisit Mike pour avouer à l’autre qu’il a couché avec sa fiancée. Fin du premier plan séquence (le film en comporte une demi douzaine, tous plus épatants les uns que les autres).  On retrouve Mike quelques années plus tard à l’enterrement de la dite fiancée (jouée par Judith Godrèche),  qu’il a fini par épouser à la place de son copain. Kyle débarque au cimetière et, dans la peine commune, tout est oublié. Jusqu’à ce que rebelote : Kyle va se marier avec une copine de fac (Gayle Rankin), que toute sa famille déteste, et Mike va tout faire, plus ou moins consciemment,  pour faire échouer l’entreprise…  Une comédie burlesque dont l’humour désespéré rappelle énormément Thunder Road, le film de Jim Cummins sorti en 2018. Même sens du tempo, mêmes soucis formels, même ton tragicomique. Une réussite !   Prix coup de coeur du Certain regard à Cannes et Prix du jury à Deauville l’an dernier.

Le pitch

Dans une maison de thé de Yokohama, Noriko (Haru Kiroki) et sa cousine Michiko (Mikako Tabe) s’initient à la cérémonie du thé. D’abord concentrée sur sa carrière dans l’édition, Noriko se laisse finalement séduire par les gestes ancestraux de Madame Takeda (Kiki Kirin), son exigeante professeure. Au fil du temps, elle découvre la saveur de l’instant présent, prend conscience du rythme des saisons et change peu à peu son regard sur l’existence…

Ce qu’on en pense

Dix ans de la vie d’une jeune japonaise résumés à l’apprentissage du rite de la cérémonie du thé ! Le sujet pourra paraître abscons au spectateur occidental. Mais Tatsushi Omori, dont c’est le premier film à sortir en France, s’affranchit des contraintes imposées par le décalage culturel et à l’exiguïté du local où se déroule l’apprentissage,  pour captiver le spectateur. La chorégraphie délicate des gestes millénaires, le passage des saisons,  visible à travers les fenêtres en papier, quelques éléments de philosophie taoïste et le jeu des actrices (dont Kiri Kirin, actrice fétiche de Kore-eda,  en maître de thé) suffisent à composer une ode élégiaque à la zénitude et à la culture nippone. Reposant et dépaysant !

Par Philippe DUPUY

Le pitch

Gabriel (Djibril Vancoppenolle) , dix ans, vit dans un confortable quartier d’expatriés au Burundi, son “petit pays”. Gabriel est un enfant normal, heureux et  insouciant qui ne pense qu’à s’amuser avec ses amis et sa petite sœur. Puis, en 1993, les tensions au Rwanda voisin débordent, menaçant sa famille et le monde de son enfance… 

Ce qu’on en pense

Après La Promesse de l’aube, qu’on avait moyennement aimé, on craignait un peu de voir Eric Barbier s’attaquer à l’adaptation d’un autre roman autobiographique:  Petit Pays de Gaël Faye. On avait tort. Le film est très réussi et transpose parfaitement à l’écran l’histoire de Gaby/Gaël,  dont l’enfance heureuse au Burundi a basculé pendant la guerre civile de 1993, qui a abouti au génocide des tutsis. Jean-Paul Rouve est impeccable dans le rôle du père, les enfants sont très bien aussi, la description du monde des enfants et de celui des adultes (expatriés et locaux) sonne juste et la reconstitution des premiers jours de la guerre civile est très réaliste. Surtout, Barbier a réussi à conserver  la fraîcheur du récit de Gaël Faye,  qui s’appuyait sur l’innocence du regard des enfants pour ne pas sombrer dans le pathos.

Le pitch

Rahne Sinclair, Illyana Rasputin, Sam Guthrie et Roberto da Costa sont quatre jeunes mutants retenus dans un hôpital isolé pour suivi psychiatrique. Le Dr Cecilia Reyes (Alice Braga), qui estime ces adolescents dangereux pour eux-mêmes comme pour la société, les surveille attentivement et s’efforce de leur apprendre à maîtriser leurs pouvoirs. Lorsqu’une nouvelle venue, Danielle Moonstar, rejoint à son tour l’établissement, d’étranges événements font leur apparition. Les jeunes mutants sont frappés d’hallucinations et de flashbacks, et leurs nouvelles capacités – ainsi que leur amitié – sont violemment mises à l’épreuve dans une lutte effrénée pour leur survie.

Ce qu’on en pense

Dans les tiroirs de Marvel/Disney depuis 2018, Les Nouveaux mutants ont tout du film maudit. Plusieurs fois repoussée,  la sortie a finalement eu lieu en pleine deuxième vague de Covid-19,  ce qui ne risquait certes pas de booster son score au Box Office. L’idée d’ “ados X-Men“, avec un traitement de film d’horreur semblait pourtant excellente pour attirer le public cible  dans les salles et rajeunir la franchise X-Men. Josh Boone à la réalisation ne s’en sort pas si mal,  le casting des X-ados est plutôt sympa avec une simili Harley Quinn (Anya Taylor Joy) , un clone de DiCaprio (Charlie Heaton) et un côté ouvertement “gay friendly” qui surprend chez Disney. On s’étonne quand même de l’obstination du studio à vouloir à tout prix sortir en salles un film qui aurait mieux certainement eu plus sa place sur Disney + que le nouveau Mulan.

Par Philippe DUPUY

Le pitch

Il n’est jamais trop tard pour changer de vie. Deux retraités, le Professeur (Gianni Di Gregorio), qui a enseigné le latin toute sa vie, et Giorgetto (Giogio Collangelli) , Romain pur jus qui touche une pension de misère, se disent qu’ailleurs, dans un autre pays, l’herbe sera plus verte et leur pouvoir d’achat plus conséquent. Ils sont rejoints dans leur projet de départ par Attilio (Ennio Fantastichini), antiquaire bohême et grande gueule. Déménager, mais où ? C’est la première question, et peut-être déjà celle de trop. Tant bien que mal, le trio s’organise. Il faut faire ses adieux, retirer ses économies, etc. Mais le plus dur dans l’exil, c’est quand même de partir… 

Ce qu’on en pense

En quelques films (Le déjeuner du 15 août, Gianni et les femmes, Bons à rien), Gianni Di Gregorio s’est imposé comme l’héritier des grands de la comédie italienne. Comme eux, il s’attache à mettre en scène (et à interprêter)  les “soliti ignoti” , ces “petites gens qu’on ignore”,  dont  Mario Monicelli avait tiré le titre original du Pigeon. Le réalisateur romain s’attaque, cette fois, aux fantasmes d’évasion fiscale de ses concitoyens les plus âgés qui, par centaines, émigrent au Portugal ou en Asie pour redonner un peu de pouvoir d’achat à leurs maigres pensions de retraite. Une idée que lui a, paraît-il, soufflé Matteo Garrone,  pour lequel Di Gregorio avait écrit l’adaptation de Gomorra. Avançant au rythme pépère de ses héros,  par  petites saynette burlesques  et attendrissantes, le film s’attache à montrer qu’il y a loin du rêve à la réalité. Par un effet facile mais efficace (l’arrivée dans le quartier d’un jeune migrant africain en quête de visa pour le Canada), il montre aussi le décalage entre le ressenti de nos héros, fauchés mais ne manquant de rien, et la réalité de l’émigration.  Une comédie italienne comme on les aime: al dente ! 

Par Philippe DUPUY

Le Pitch

Dans un lotissement en province, trois voisins sont en prise avec les nouvelles technologies et les réseaux sociaux. Il y a Marie (Blanche Gardin), victime de chantage avec une sextape, Bertrand (Denis Podalydès) , dont la fille est harcelée au lycée, et Christine (Corinne Masiero), chauffeur VTC dépitée de voir que les notes de ses clients refusent de décoller.Ensemble, ils décident de partir en guerre contre les géants d’internet. Une bataille foutue d’avance. Quoique…

Ce qu’on en pense

L’oeuvre cinématographique (car c’en est une) de Kervern et Delepine pourra un jour servir de base d’étude sociologique sur les transformations de la société française et sa capacité de résistance au changement. Après avoir évoqué la crise du capitalisme (Louise Michel), celle des retraites (Mammuth), du commerce (Le Grand soir) , de l’Agriculture (Saint Amour) et les mirages de la start-up nation (I Feel Good), il était logique qu’ils s’attaquent aux méfaits d’internet et des réseaux sociaux sur le petit peuple de France. C’est ce qu’ils font dans Effacer l’historique,  par le truchement de trois paumés comme on n’en trouve que dans leurs films (et dans la vie réelle, hélas : les tribunaux et les hôpitaux psychiatriques en sont pleins). Dans leur veine farcesque habituelle (mélange d’humour potache, de burlesque et de grosse satyre à la Groland), ils partent sabre au clair à l’assaut des GAFA (Google,Apple, Facebook, Amazon), de Netflix et des réseaux sociaux, avec un trio de pieds nickelés pas piqué des hannetons, mené par Blanche Gardin, épatante dans son premier “premier rôle”,  et une ribambelle de “guests” (quasiment tous les acteurs de leurs précédents films,  à l’exception notable de Depardieu). Ça défouraille à tout va : surendettement,  uberisation, cyber harcèlement, addiction aux séries… Tout y passe. Sans trop de discernement ni de finesse, mais ça soulage.  Même si l’image de la société française que renvoient les deux acolytes à travers le miroir à peine déformant de leurs films, est, au final, plus déprimante que drôle… Premier film post-gilets jaunes (les trois personnages se sont connus sur un rond point), Effacer l’historique est peut-être le plus désespéré de leur filmographie. N’ayant rien gagné, ni appris du mouvement, leurs personnages continuent de s’enfoncer toujours plus profond dans la mouise.

Par Ph.D

Le pitch 

En 2049, après une catastrophe planétaire qui a laissé peu de survivants et pas pour longtemps, Augustine (George Clooney), dernier occupant d’une base scientifique d’Arctique, tente l’impossible pour contacter un vaisseau d’exploration spatiale qui a exploré une planète habitable et rentre sur Terre sans savoir ce qui s’y est passé. A son bord,  cinq occupants dont une femme enceinte…

Ce qu’on en pense

On l’avait laissé astronaute dérivant dans l’espace de Gravity, revoici George Clooney dans un film de SF,  mais sur Terre cette fois (et sur Netflix). Barbu, échevelé,  livide au milieu des tempêtes (de neige), il campe un astrophysicien qui, après l’apocalypse (dont le film ne dit pas la nature) , s’accroche à l’espoir de convaincre les occupants d’un vaisseau spatial de ne pas rentrer sur Terre et d’aller plutôt coloniser la planète habitable qu’ils viennent de découvrir. A la réalisation, Mr Whatelse, signe une (science)fiction de très belle facture (magnifiques plans d’espace et de banquise), mais aussi glacée que l’Arctique et l’espace intersidéral réunis. Le scénario, pourtant adapté du roman éponyme de Lily Brooks Dalton,  manque trop de fond pour justifier les deux heures que dure le film. La fin du monde OK, mais quoi d’autre ? Pas grand-chose. On aurait préféré, aussi, que la sauveuse de l’humanité soit baptisée d’après une chanson moins nunuche que la “Sweet Caroline” de Neil Diamond. Ce n’était pas le choix qui manquait !