Claire Denis est venue présenter à Nice son nouveau long métrage High Life .Un film de SF envoûtant et déroutant, avec Robert Pattinson et Juliette Binoche, qui sort enfin en DVD. La cinéaste, qui présidait le jury de la cinéfondation et des courts métrages cette année à Cannes, nous en a raconté les coulisses…
Dernier amour
Le Pitch
Casanova (Vincent Lindon), connu pour son goût du plaisir et du jeu, arrive à Londres après avoir dû s’exiler. Dans cette ville dont il ignore tout, il rencontre à plusieurs reprises une jeune courtisane, la Charpillon (Stacy Martin), qui l’attire au point d’en oublier les autres femmes. Casanova est prêt à tout pour arriver à ses fins, mais La Charpillon se dérobe toujours sous les prétextes les plus divers. Elle lui lance un défi : elle veut qu’il l’aime autant qu’il la désire…
Ce qu’on en pense
Avec une solidité et une assurance qui ont sans doute fait défaut à la plupart des auteurs de sa génération, Benoît Jacquot, 72 ans, a fini par s’imposer comme le plus régulier de nos grands cinéastes. Et c’est peut-être dans l’exercice délicat du film en costumes qu’il démontre son savoir-faire avec le plus d’évidence. Des Adieux à la Reine (2011) à ce Dernier amour de Casanova, en passant par sa relecture du Journal d’une femme de chambre (2015), ses films « historiques » évitent le piège de la reconstitution patrimoniale académique (ou pire : téléfilmique) et font souvent preuve de plus de modernité que les films branchés du moment. Rien de moins évident pourtant, a priori, que de filmer Vincent Lindon en perruque et hauts de chausse, après qu’on l’ait vu s’investir corps et âme dans des films sociaux plus naturalistes les uns que les autres. Le cœur se serre de le voir défait par une donzelle, mais quelle ! Sous ses airs de nouvelle Sylvia Kristel, Stacy Martin réveillerait un mort…), Casanova vieillissant, éperdu, les yeux embués sous le rimmel. Ce Dernier amour (le seul véritable peut-être, les autres n’étant qu’amitiés sexuelles ?) le tue. Lui à qui aucune ne se refuse, sauf justement celle qui se donne à tous. « Ô fureur des cœurs murs par l’amour ulcérés » (Beaudelaire) ! « Il faut souffrir pour savoir qu’on a aimé » lui dit celle qui, à la fin, recueille ses confidences, comme une intervieweuse (Julia Roy, parfaite.Comme le reste du casting d’ailleurs, avec une Valeria Golino très touchante en ex-amante et amie fidèle). La leçon est amère, mais le film est magnifique. Lecteur assidu des mémoires de Casanova (Histoire de ma vie), Jacquot en livre une des plus belles restitutions. Après Fellini et Comencini (entre autres), il fallait pourtant oser s’y atteler.
Les Oiseaux de passage
Le Pitch
Dans les années 1970, en Colombie, une famille d’indigènes Wayuu met en place un vaste trafic de majijuana. C’est la naissance du premier cartel…
Ce qu’on en pense
Découvert en 2015, à la Quinzaine des réalisateurs, avec L’Etreinte du serpent, le réalisateur colombien Ciro Guerra remonte aux origines des cartels avec ce film qui mélange allègrement les genres (documentaire, biopic, drame, thriller…) pour un résultat assez formidable. Découpé en 5 «chants» (La Horde sauvage, Les Tombes, Bonanza, La Guerre, Les Limbes), le film suit le parcours d’un jeune indien Wayuu tenté par le modernisme et la fréquentation des «étrangers» (mexicains et américains), qui va créer le premier cartel de la drogue, en se heurtant aux traditions séculaires et aux principes religieux de son peuple. Très éloigné des films de mafia et de cartels habituels, Les Oiseaux de passage fascine par son dispositif, qui immerge le spectateur dans une communauté perdue dans le désert de boue séchée de la Guajira enalternant les scènes «ethnographiques» presque documentaires (comme la formidable cérémonies pré-nuptiale d’ouverture, qui donne son sens au titre) et séquences de thriller, en laissant la violence le plus souvent hors champs. Un film de cartel archaïque et mystique. A voir absolument !
JP Dubois : Tous les hommes…
Par MAB
« L’homme est un ours qui a mal tourné ». Jean-Paul Dubois, l’auteur de « L’Amérique m’inquiète » le prouve encore une fois avec un roman de 240 pages qu’il a intitulé « Tous les hommes n’habitent pas le monde de la même façon ». Un roman mélancolique qui va marquer cette rentrée et qu’il faut donc surveiller jusqu’aux prix littéraires. On y découvre un brave type, prénommé Paul (comme beaucoup de héros de Dubois), qui croupit dans une prison de Montréal en compagnie d’un imposant Hell’s Angel dont la seule crainte, à l’instar de Samson, est qu’on lui coupe les cheveux ! Que fait ce placide fils de pasteur dans cette cellule ? Il le dira lui-même à la fin de son récit. Mais auparavant, il se remémorera son enfance à Toulouse (La ville de Dubois) déchiré entre un père presbytérien Danois et une mère, exploitante d’un cinéma « art et essai » qui en 1972, affiche le scandaleux « Gorge profonde ». Puis son exil au Canada à la suite de ce père divorcé et radié de son diocèse en raison de sa passion du jeu…À vous de découvrir la suite. Autrement dit comment alors qu’il est un paisible quinquagénaire, concierge dans une résidence de luxe de Montréal, Paul devient meurtrier… L’univers singulier de Jean-Paul Dubois est tout entier dans ce récit de vie de cinq décennies, qui s’étale de la France au Canada en passant par le Danemark. Le portrait en demi teinte d’un homme ni meilleur ni pire que les autres, mais écrasé par les coups du sort et les aléas de sa destinée. Pour souligner l’absurdité de toute existence, l’humanité de son personnage et les épouvantables conditions des prisonniers, Dubois oscille en permanence entre étonnement, bienveillance, tendresse et humour à vif. Son nouveau roman au style très anglo-saxon est comme les précédents, pessimiste mais jamais cynique. Il se dévore.
Santana : Africa Speaks
Depuis le carton planétaire de Supernatural en 1999 (30 millions de copies écoulées) , Carlos Santana est de retour en grâce et ses concerts affichent à nouveau complet. On s’en réjouit, mais côté enregistrements studio, sa production laissait largement à désirer. On avait même touché le fond artistiquement en 2010 avec Guitar Heaven, abominable compilation de reprises de classiques rock à la sauce Devadip. La reformation du Santana original (celui de Woodstock), en 2016, marquait un net mieux, mais rien qui laisse présager un tel retour de flamme. Avec Africa Speaks, le guitariste de 72 ans revient à son meilleur niveau: celui de ses glorieux débuts. Côté guitares, on n’avait pas été à pareille fête depuis… Abraxas ! Le plaisir de jouer (et de jouer fort !) s’entend dans tous les titres de cet album aux sonorité flamenco-africaines, où brille aussi la voix de la chanteuse flamenca Buika. Ecoutez-les donc s’écharper sur “Oye Este Mi canto” ! On ne s’étonnera pas d’apprendre que c’est l’indispensable Rick Rubin, qui a accouché cet album miraculeux qui s’inscrit d’emblée dans le haut de la discographie du guitariste chicano.
Sang Froid
Le pitch
Bienvenue à Kehoe, luxueuse station de ski du Colorado. La police locale n’y est pas franchement très sollicitée jusqu’au jour où le fils d’un conducteur de chasse-neige, Nels Coxman (Liam Neeson), est assassiné sur ordre de Viking (Tom Bateman), un baron de la drogue de Denver. Armé d’une rage implacable et d’une artillerie lourde, Nels entreprend de démanteler à lui seul le cartel de Viking…
Ce qu’on en pense
Encore un rôle de justicier pour Liam Neeson. Depuis le premier Taken (2008), l’emploi lui colle à la peau. Au point d’oser le second degré, cette fois, dans cet auto-remake de Refroidis, polar nordique jouissif, réalisé en 2014 par Hans Petter Moland. Comparé à l’époque au Tarantino de Pulp Fiction et aux frères Coen de Fargo, le réalisateur Norvégien n’a pas craint de forcer la ressemblance pour ce remake US, produit par Michael Shamberg (Pulp Fiction, Get Shorty).Dans un superbe décor de montagnes enneigées, Liam Neeson, alias Nels Coxman, paisible conducteur de chasse-neige, se lance dans une orgie de carnage vengeur, dont le décompte s’affiche comiquement à l’écran sous forme de croix chaque fois qu’un des méchants se fait trucider. On a l’impression d‘avoir déjà vu ça plus d’une fois, c’est un peu trop référencé pour être tout à fait honnête, mais on rigole bien.
Black Snake
Le pitch
Après des années passées à Paris, Clotaire Sangala (Thomas Ngigol) revient dans son pays natal, en Afrique. Élevé par un grand-père chinois expert en arts martiaux, persuadé d’avoir été trouvé dans une poubelle, Clotaire ignore tout du glorieux passé de ses parents. Accroc aux femmes et à la vie facile, égoïste, pleutre et sans ambition, Clotaire va pourtant être rattrapé par son destin… Il va devenir «Black Snake», le super-héros masqué et ultrasapé, libérateur du peuple face au dictateur Ézéchias.
Ce qu’on en pense
Entre Black Panther suédé et série Z de karaté des années 70,Thomas Ngijol et Karole Rocher signent une très sympathique comédie parodique. Dommage que l’esthétique grindhouse ne soit pas tenue jusqu’au bout, que le film manque un peu de rythme et que le personnage féminin, incarné par Karole Rocher, soit un peu bâclé. Car, pour le reste, les costumes, les décors, la reconstitution des années 70, la BO (signée Skread) la réalisation et les dialogues sont supers. Edouard Baer est hilarant en conseiller spécial de la Françafrique et Thomas Ngijol très drôle dans le double rôle du sapeur vantard et du vengeur masqué. Une demi réussite, dont le côté potache fait oublier les défauts les plus criants. Passé inaperçu en salles, le film pourrait trouver son public, voire devenir culte en streaming et en DVD.
Alita: Battle Angel
Le Pitch
En 2563 à Iron City, Ido (Christoph Waltz) brillant cybernéticien reconverti dans la réparation de robots, trouve dans une décharge une tête de cyborg d’apparence juvénile.Constatant que son cyber cerveau fonctionne encore, il la greffe sur le corps de porcelaine qu’il avait conçu pour sa défunte fille handicapée. Alita (Rosa Salazar) se réveille sans aucun souvenir (sa mémoire a été effacée), mais Ido se rend vite compte qu’elle possède des capacités physiques et intellectuelles très supérieures aux standards pourtant élevés de l’époque. Les superpouvoirs d’Alita ne vont pas manquer d’attirer l’attention des forces dangereuses et corrompues qui règnent sur Iron City depuis la cité suspendue de Zalem…
Ce qu’on en pense
Après Suicide Squad (auquel on n’a rien compris), deux Sin City esthétiquement brillants mais redoutablement ennuyeux, un Valerian mal aimé et une palanquée de films de super-héros Marvel/DCComics interchangeables, on pouvait craindre avec Alita une nouvelle adaptation de BD à seule destination des fans du genre. C’était compter sans la « James Cameron Touch ». Le père de Titanic et d’Avatar, qui a produit le film, rêvait depuis deux décennies d’adapter au cinéma les aventures du personnage créé par Yukito Kishiro dans le manga Gunnm. Pris par d’autres projets (dont 3 épisodes d’Avatar à venir), Cameron a confié la réalisation d’Alita à Robert Rodriguez, qu’on n’attendait pas vraiment à la tête d’un blockbuster à 200 millions de dollars. Le réalisateur de Mariachi, Desperado, Machete, Sin City et Spy Kids s’en tire plus que bien, apportant son goût pour la baston et le gore à une saga qui aurait peut-être été trop lisse autrement. Disons-le tout net : Alita est le meilleur film de SF à grand spectacle qu’on ait vu depuis…Avatar. Visuellement le film est une véritable fête : les décors sont époustouflants, la 3D est bluffante, la motion capture est incroyable (les seuls yeux d’Alita ont demandé plus de travail que tout le personnage de Gollum dans le Seigneur des Anneaux) et les scènes de poursuites et de bastons décoiffent. Celles de la finale de rollerball resteront dans les annales. Ajoutez-y un scénario pas idiot, dans lequel les personnages féminins dominent (Rosa Salazar et Jennifer Connely au top) et vous obtenez le premier épisode d’une saga dont on a vraiment envie de voir la suite. Vivement Alitavatar 2 et 3 !
Beyoncé : The Gift
Par Luigi Villano
Disney ne s’arrête plus. Avec la sortie du Roi Lion en version photoréaliste, l’objectif visé par le studio ne change pas : rentabiliser au maximum chacune des pièces de son catalogue. Et quitte à multiplier les formats, pourquoi ne pas sortir un album ? Et pourquoi ne pas en confier la production à Beyoncé, qui double la voix d’un des personnages dans le film ? On se méfie toujours des jeux vidéos tirés des films, dont le seul but est d’appuyer la promotion d’une sortie en salle. Idem pour les albums qui sont souvent de médiocre qualité. On se ferait donc un plaisir de démolir tout bonnement ces prétextes marketing s’il n’en ressortait parfois une régurgitation miraculeuse, comme c’est le cas avec « The Lion King : The Gift ». Si ce n’est pas un véritable album de Queen B, il confirme que la diva frappe désormais plus fort à l’occasion de collaborations qu’en solo. Des collaborations, l’album en est rempli, et constitue pour sa productrice, une «lettre d’amour à l’Afrique ». Beyoncé s’est entourée de talents surs : Childish Gambino, Jay-Z, Kendrick Lamar, Syd (The Internet), et sa propre fille. Mais les morceaux les plus convaincants sont définitivement les productions Afrofusion de l’album : Entourés par la nouvelle vague de la musique nigérienne et camerounaise (Tekno, Yemi Alade, Mr Eazi, Burna Boy, Tiwa Savage et d’autres), Beyoncé reproduit la recette magique proposée par Kendrick Lamar pour l’album Black Panther : un pont musical entre les talents du continent africain et les pontes de l’industrie américaine. « Find Your Way Back », « Don’t Jealous Me », « Mood 4Eva » et « Keys to the Kingdom » figurent parmi les meilleurs titres de l’album, des petits bijoux émouvants et mélodieux, à écouter sur le dancefloor ou allongé sous les étoiles. Les liens de parenté qui unissent cet album et celui de Black Panther sont évidents, mais le plus beau dans cette histoire, c’est la supériorité artistique de l’album inspiré du film sur le film lui même. Dommage que le single “SPIRIT” soit -comme pour Black Panther encore une fois- un des titres les plus fades de cette compilation rugissante ! En dehors de ce petit détail, le disque est à écouter d’urgence.
Convoi exceptionnel
Le pitch
C’est l’histoire d’un type qui va trop vite et d’un gros qui est trop lent. Foster (Christian Clavier) rencontre Taupin (Gérard Depardieu). Le premier est en pardessus, le deuxième en guenilles. Tout cela serait banal si l’un des deux n’était en possession d’un scénario effrayant : le scénario de leur vie et de leur mort. Il suffit d’ouvrir les pages et de trembler…
Ce qu’on en pense
Dix ans : c’est le temps qu’il a fallu à Bertrand Blier pour monter son nouveau film. Une fable surréaliste bien dans sa manière, qui renoue avec la verve noire de Buffet Froid. Cela en dit long sur l’état du cinéma français qui préfère confier des millions de budget à n’importe quel écrivaillon ou vedette de télé que de faire confiance à ses plus grands auteurs. Blier, 80 ans aux fraises, est devenu un classique dot les dialogues mériteraient d’être étudiés à l’école. Un comble pour l’auteur des Valseuses! Peut-être est-ce pour cela qu’on lui en veut ? Voir Christian Clavier donner la réplique à Depardieu dans ce Convoi exceptionnel à plus d’un titre est pourtant un pur plaisir de cinéphile. L’un n’en revient pas de se retrouver là, si loin du Bon Dieu. L’autre le regarde comme son égal, avec un regard d’enfant ravi d’avoir trouvé un bon copain. Les deux sont grands. Ce petit film d’Ih20, générique compris, l’est aussi. D’un humour désespéré sur des thèmes peu réjouissants (le déclassement, l’abandon, la vieillesse, la mort… ). Triste mais beau.
William Boyd : L’Amour est aveugle
Par MAB
1894 : accordeur surdoué à l’oreille absolue, le jeune Brodie Moncur, employé d’un vénérable fabricant de pianos à Édimbourg, accepte avec joie un poste important dans la filiale parisienne, fuyant ainsi l’ennui de la province et la hargne de son pasteur de père. Mais sa rencontre avec John Kilbarron, le ” Liszt irlandais “, et la maîtresse de ce dernier, la soprano russe Lika Blum, dont il tombe fou amoureux, va changer inéluctablement le cours de son existence. Devenu indispensable au pianiste, il le suit de Paris à Saint-Pétersbourg, où sa liaison clandestine avec Lika est éventée par Malachi, le frère maléfique de Kilbarron. Dès lors convaincu d’être traqué, Brodie ne cessera d’errer et de courir d’un bout à l’autre de l’Europe Nice, Genève, Trieste ou encore Vienne avant de s’exiler dans les îles Andaman, au large des côtes indiennes, où se scellera son destin.
Dans ce roman foisonnant, William Boyd, qui partage sa vie entre Londres et la Dordogne inscrit une histoire de musique et de passion dans les bouleversements du début du XXe siècle. Ce faisant, il plonge habilement le lecteur dans les coulisses tortueuse du monde des concertistes. Des artistes fragiles et capricieux ne vivant que du bon vouloir de leurs mécènes . C’est enlevé, palpitant, caustique aussi et parfait pour une lecture estivale.
On n’avait pas fini le montage et les effets spéciaux n’étaient pas prêts. On a loupé Venise aussi à cause de ça. Du coup, c’est à Toronto qu’a eu lieu la première.
La première de gala a été étrange.Certains ont semble-t-il été choqués par la scène de la sex-box et plus encore par celle où Juliette Binoche recueille la «sainte semence» de Pattinson. Ça m’a surprise. Je ne pensais pas qu’une chose aussi enfantine et ironique puisse être prise au premier degré…
Un producteur est venu me proposer de faire un film en anglais.J’ai dit oui, à condition que ça se justifie d’une manière ou d’une autre.L’anglais, c’est la langue de l’espace en quelque sorte et j’ai toujours aimé la SF. J’avais cette première image en tête d’une serre de plantations dans un vaisseau spatial. Je suis partie de là.
Il est venu me voir, il y a cinq ans pour me proposer de travailler avec moi. Ça a totalement changé la perspective du film car j’avais imaginé un homme plus âgé pour le rôle principal. Au début, je le trouvais un peu trop iconique. J’avais aimé son travail dans Twilight et les films de Cronenberg, mais je n’aurais jamais pensé spontanément faire appel à lui pour un de mes films. On s’est vu assez souvent et un lien d’amitié s’est créé entre nous, Ça a évacué le problème. Avoir quelqu’un comme lui, tellement impliqué et désireux de faire le film, ça m’a donné beaucoup de force.
Juste mon équipe habituelle.J’aurais voulu impliquer plus le plasticien danois Olafur Eliasson, dont une des œuvres a inspiré l’image finale.Mais je me suis rendue compte qu’il n’y a rien de mieux que les gens de cinéma pour faire du cinéma.Pour le vaisseau, on a imaginé une sorte de prison spatiale. Et pour les costumes, on s’est largement inspiré des combinaisons des astronautes Russes. J’en avais marre du blanc qui est la couleur obligatoire depuis Star Wars…
Avec Solaris (Tarkovski) et 2001(L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick N.D.L.R), on peut déjà voyager assez loin. J’ai vu tous les Alien aussi.Mais je me suis interdit de revoir aucun film avant le tournage car je voulais rester avec mes images et mes couleurs.M’en tenir à la modestie de mon histoire. Je n’avais ni les moyens ni l’envie de faire autre chose de toute façon.Et surtout pas d’imposer à mes acteurs de jouer devant un fond vert en permanence…
Non. Il y en a très peu de toute façon et comme ils tardaient à arriver, j’en ai enlevé.La scène des corps qui flottent dans l’espace, par exemple, on l’a faite au ban de montage.
C’était compliqué parce qu’on avait un décor qui craquouillait de partout.L’ingénieur du son allemand était très malheureux.Mais on s’est débrouillés. C’est Stuart Staples des Tindersticks qui a fait tout le sound design du film…
Oui, c’est notre huitième film ensemble. J’étais allé les voir au Bataclan à l’époque de leur second album pour leur demander les droits de «My Sister» que je voulais pour Nenette et Boni.Ils m’ont dit qu’ils préféreraient faire toute la BO… Avec Stuart, qui est du Nord de l’Angleterre, on a du mal à communiquer en anglais.Mais on n’a pas besoin des mots pour se comprendre.
Il y a «high» pour l’espace là-haut et «life» pour la vie qu’on cherche à reproduire. Mais c’est surtout un mot qui renvoie à mon enfance en Afrique.«High Life», c’est comme ça que les Africains qualifiaient la vie des blancs..
Je ne me pose pas la question en ces termes.L’histoire passe avant le genre. Ce qui compte c’est ce qu’on veut raconter.La forme vient après. Comme je ne ressens pas le besoin de répondre à une demande et que je fais des films qui ne coûtent pas très cher, je me sens absolument libre d’aller où j’ai envie d’aller.