Expositions

Dans le cadre du centenaire de La Victorine, le musée Matisse se propose d’explorer pour la première fois les liens entre Henri Matisse et le cinéma. Spectateur assidu, Matisse aborde le cinéma comme un divertissement mais pense aussi son œuvre en fonction de cette nouvelle forme d’expression populaire. Il ne dédaigne pas l’observation de sa pratique de peintre à travers la « loupe temporelle » qu’est la caméra. Dans le film de François Campaux (1946), cette dernière dévoila que la fulgurance de son trait était nourrie par la préparation autant que par l’improvisation et la pensée. En 1930, Matisse rencontra un des cinéastes majeurs du cinéma muet, Friedrich Wilhelm Murnau, à l’occasion d’un voyage à Tahiti qui fut décisif dans son parcours. L’intérêt de Matisse pour la danse, le mouvement des vagues et la répétition ornementale révèle qu’il fut obsédé par la métamorphose « à vue » des formes et la recherche de métaphores pour représenter le temps qui s’accomplit. Le cinéma moderne, et plus particulièrement la Nouvelle-Vague  (Jacques Rivette, Eric Rohmer, Jean-Luc Godard, Jacques Demy, Agnès Varda…),  ont élu Henri Matisse comme un de ses « patrons ». L’exposition du musée Matisse met en miroir les œuvres du peintre et les films qui les ont inspirées ou qu’elles ont inspirés.

Du 29 juin au 17 novembre, la Fondation Maeght célèbre Joan Miró. L’exposition « Joan Miró. Au-delà de la peinture. » offre au public de découvrir une partie essentielle de l’œuvre de l’artiste : l’exceptionnelle œuvre graphique. L’exposition est axée sur le processus de travail de l’artiste qui réalisa l’une des plus remarquables œuvres gravés de l’histoire de l’art. Issues en très grande partie d’une exceptionnelle donation faite par Adrien Maeght, qui travailla avec Miró dans ses ateliers de l’imprimerie ARTE, plus de 200 œuvres, dont un ensemble de gouaches inédites, sont présentées. Maquettes, affiches, gravures, lithographies originales, plaques de tirage, bons à tirer et ouvrages de bibliophilie, complètent l’exposition pour mettre en lumière cette prodigieuse création.

Né en 1893 à Barcelone et mort en 1983 à Palma de Majorque, Joan Miró est l’un des artistes majeurs du XX^e siècle qui ont révolutionné les codes de l’art moderne. Durant toute sa vie, l’artiste invente un monde onirique au service d’un vocabulaire de formes appliqué à toutes les techniques avec lesquelles il travaille. L’exposition « Joan Miró. Au-delà de la peinture. », permet de découvrir l’évolution, l’importance et la richesse de l’œuvre graphique de Joan Miró dans un accrochage autour de quatre concepts principaux : le rapport de Joan Miró avec les poètes, le concept « collage », les possibilités combinatoires et la découverte des techniques. « Joan Miró disait de lui-même qu’il était peintre, affirmation à laquelle l’artiste ajoutait, immédiatement, une précision : il était peintre, mais un peintre qui voulait s’exprimer avec toutes les techniques à sa portée », explique Rosa Maria Malet, directrice de la Fundació Joan Miró de Barcelone pendant 37 ans, qui assure le commissariat de cette exposition.

C’est un don du peintre et sculpteur Arman (1928-2005) à sa ville de Vence ( la sculpture-fontaine en bronze Accord Parfait, installée sur le parvis du musée), qui est à l’origine de cette exposition, elle en forme le seuil et le pivot. Célébrant un piano détruit, épave d’un naufrage imaginaire, ce chef-d’oeuvre conçu dans la série Atlantis, est le prétexte pour revenir aux fondamentaux de l’art et de l’imaginaire d’Arman que l’on retrouve déclinés à leur apogée dans cette pièce. Incarnant le projet de l’artiste d’une «archéologie du futur», Accord parfait fait l’éloge suprême du rebut, en transformant des débris en trésor archéologique. Acte de résistance contre l’hyper-consommation, et démonstration que l’art peut fournir un autre usage du monde, Accord parfait a un titre paradoxal car précisément ce piano ne peut plus jouer aucun autre accord que le message artistique que lui a conféré Arman. La destruction s’impose comme le postulat de la création, à l’image de la mythique Atlantide…

Le monde de Monster Chetwynd est peuplé de créatures étranges, d’êtres hybrides, tous dotés de personnalités singulières. Comme son prénom l’indique, l’artiste assume toutes les formes de la monstruosité : l’anormal, le difforme, l’exagération, l’extraordinaire, l’horrifiant, l’absurde, l’outrancier, le prodigieux ou le terrible. La monstruosité, puits sans fond pour l’imaginaire. Mais son monde est aussi celui d’un mode de production « fait main », une écologie/économie du quotidien, des matériaux simples et peu onéreux, des assemblages bricolés avec les moyens du bord, dans la pratique du do it yourself, pour une « beauté et une impétuosité Punk », comme elle le définit elle-même. L’exposition à la Villa Arson, la première de cette envergure en France, réunit une vingtaine d’œuvres dans un esprit Luna Park, s’appuyant sur un éclairage et une ambiance sonore spécifiques. On y croisera quelques sculptures d’animaux, lucioles, chauves-souris, serpents et salamandres, comme on y traversera des formes grotesques, cet art si consommé du fantasque et du fantastique. Echappant à la lumière de l’été, l’artiste nous invite à plonger dans l’architecture des galeries du centre d’art pour y découvrir sa Monster Rebellion, une rébellion nocturne, composée par l’artiste et ses personnages.

32 artistes internationaux (BANKSY • LI BAOXUN • FRANÇOIS BARD • NASR-EDDINE BENNACER • LIU BOLIN • STEFANO BOMBARDIERI • MATTEO CARASSALE • MAURO CORDA • FRANTA • MARC GAILLET • GÉRARD HATON-GAUTHIER • LOUIS JAMMES & BASQUIAT • JOSEPH • KIANOUSH • MIRYAN KLEIN • KRISTIAN • DAVIDE MENEGHELLO • ANTHONY MIRIAL • LUCIEN MURAT • PHILIPPE NUELL • PHILIPPE PASQUA • PHILIPPE PERRIN • JASON PUMO • GÉRARD RANCINAN• SHADI REZAEI • PIERRE RIBA • BENJAMIN SABATIER • VICTOR SOREN • CÉDRIC TANGUY • GÉRARD TARIDE • THE KID • RAMTIN ZAD) exposent plus de 60 œuvres autour d’un thème universel, la liberté, dans un lieu aussi symbolique que l’ancien bagne de Nice devenu galerie d’exposition. Peintures, photographies, sculptures, certaines créées spécialement pour l’exposition « Liberté, liberté chérie » surprennent,  interrogent,  bousculent…

A l’occasion de la manifestation “L’Odyssée du Cinéma” impulsée par la ville de Nice autour des 100 ans des studios de La Victorine, le musée national Marc Chagall invite un jeune créateur, Clément Cogitore, dont l’œuvre se construit entre art contemporain et cinéma. « Artiste ET cinéaste » selon l’expression de Dominique Païni, Clément Cogitore se présente comme un metteur en scène : son regard singulier sur le monde contemporain s’incarne dans sa pratique du cinéma (son dernier film, Ni le ciel ni la Terre sera projeté à la Cinémathèque) , de la photographie, d’installations, et de la mise en scène d’opéra. Né en 1983 à Colmar, Clément Cogitore vit et travaille entre Paris et Strasbourg. Après des études à l’Ecole supérieure des Arts décoratifs de Strasbourg et au Fresnoy-Studio national des arts contemporains, Clément Cogitore développe une pratique à mi-chemin entre art contemporain et cinéma. Son travail questionne les modalités de cohabitation des hommes avec leurs images. Il y est le plus souvent question de rituels, de mémoire collective, de figuration du sacré ainsi que d’une certaine idée de la perméabilité des mondes…

Pour célébrer le centenaire des studios de la Victorine, la ville de Nice et le collectif d’artistes La Station, avec le soutien d’Eva Vautier, invitent Ben pour une grande exposition d’été  au 109 titrée : La vie est un film. Plus de 500 œuvres de Ben, retraçant 50 ans de création, seront installées dans la grande halle de plus de 2000 mètres carrés, qu’il a choisi de partager avec des invités, artistes, amis de longue date ou jeunes créateurs. Cet espace en perpétuel mouvement accueillera production filmée, événements, performances et débats, si chers à l’artiste. Figure artistique majeure de la seconde moitié du XXe siècle, Ben est connu pour ses actions et ses peintures. Sa production, à la fois réflexion philosophique et impertinente sur l’art, intègre notre quotidien dans ce qu’il a de plus particulier. L’éthnisme, l’ego ou la vérité constituent également des questionnements chers à son œuvre.  Evénement Nice 2019, L’odyssée du cinéma, résonne aussi comme un appel à l’importante production iconographique de Ben. Caméra au poing depuis 60 ans, il a constitué un fonds filmique considérable, suivant l’évolution des techniques, leurs supports et leurs usages. Aux terrasses de cafés ou lors d’événements artistiques, il capte des moments, interpelle de nombreux anonymes et artistes qu’il convoque sur l’instant.  Placé au centre d’une rétrospective ambitieuse et panoramique sur la création à Nice, c’est un Ben libre comme il l’a toujours été, et foisonnant d’idées qui fait son cinéma total.

(Photo Franz Chavaroche)

Après Edward Quinn, c’est Johnny Hallyday qui est à l’honneur pour l’exposition temporaire annuelle du Musée de la Gendarmerie de Saint Tropez. Johnny découvre Saint-Tropez dans les années 1960 où il vient passer des vacances festives avec ses amis Eddie Barclay, Eddy Mitchell… Dès son arrivée dans le golfe, il est fasciné par les sublimes villas et rêve d’en avoir une lui aussi. En 1989, le rocker réalise son rêve et fait construire à Ramatuelle la mythique Lorada, magnifique villa sertie dans un parc de deux hectares (voir vidéo)… Tout au long de son parcours, l’exposition invite le visiteur à découvrir ou redécouvrir l’histoire qui lie Johnny Hallyday à Saint-Tropez à travers des souvenirs de Tropéziens, des photographies, des objets, une moto ayant appartenu à l’artiste, des extraits d’émissions de radio tournées sur la place des Lices et même une sculpture à taille réelle de « l’idole des jeunes ».

L’exposition « Raymond Depardon: 1962-1963, photographe militaire » est une création originale du musée de la Marine de Toulon, à la fois par son contenu composé de photographies jamais exposées  depuis leur parution dans le magazine TAM entre 1962 et 1963 et également par sa forme, qui verra l’accrochage de tirages spécialement fabriqués pour l’occasion. Mise en lumière d’une page inconnue de la carrière de Raymond Depardon grâce à la présentation exclusive d’une centaine de ses photographies, le parcours est enrichi de documents d’archives, de films et d’entretiens audiovisuels, témoins de la création de TAM et de l’expérience du service militaire. Après Toulon,  l’exposition se tiendra à Paris au Musée du service de santé des armées du 1er octobre 2019 au 30 janvier 2020.

A la fin des années 1950 le Prince Rainier III de Monaco, passionné d’automobiles, débute sa collection de voitures anciennes. Au fil des années et des acquisitions la collection s’agrandit et très vite, le garage du Palais Princier se révèle trop étroit pour contenir une centaine d’automobiles superbes aux silhouettes monumentales ou sportives, aux carrosseries majestueuses, aux capots rutilants, aux calandres royales. En 1993 le Prince  décide donc de dévoiler au public ses trésors en créant un musée de l’auto. Située sur les Terrasses de Fontvieille, cette exposition de 5 000 m2 unique au monde, regroupe près d’une centaine d’automobiles : de la DE DION BOUTON de 1903 à la LOTUS F1 de 2013 en passant par les HISPANO SUIZA, ROLLS ROYCE, LINCOLN, FACEL VEGA, DELAGE, DELAHAYE, PACKARD, HUMBER, NAPIER, FERRARI, MASERATI, LAMBORGHINI, ALFA ROMEO, LEXUS du mariage Princier de 2011, ainsi que les voitures de courses qui ont marqué le Rallye de Monte-Carlo et les F1 du Grand-Prix de Monaco. Le musée accueille de temps à autres des expositions temporaires  comme ce fut le cas du 3 décembre 2018 au 15 mars 2019 avec une collection unique de Ferrari.

Depuis qu’il est apparu en 1919, alors que le Tour vivait déjà sa treizième édition, le Maillot Jaune illumine la course et éclaire les destins, petits ou grands, au point d’être devenu un emblème universel qui participe largement au rayonnement du Tour de France. Pour fêter ses 100 ans d’existence,  une exposition conçue par le Musée National du Sport, en collaboration avec Amaury Sport Organisation, organisateur du Tour de France, retrace, à l’intention de tous les publics, les innombrables aventures du Maillot Jaune, qu’il soit sur les épaules des plus grands champions ou celles d’un modeste porteur. Elle rappelle également que si le Maillot Jaune est synonyme de gloire, il est aussi imprégné de sueur et parfois de larmes, dans une longue succession d’exploits, de désillusions ou même de tragédies. Depuis Eugène Christophe, premier à revêtir cet insigne honneur, jusqu’à Geraint Thomas, son plus récent détenteur ; d’Eddy Merckx, recordman absolu qui a passé plus de trois mois de sa vie en jaune, au leader le plus éphémère, l’exposition « 100 ans de Maillot Jaune » raconte comme cet habit de lumière n’a cessé de faire et défaire les héros. D’un jour ou de toujours. Sur plus de 500 m², 170 objets et de nombreux dispositifs immersifs et interactifs (simulateur vélo, casque de réalité virtuelle, hologramme, parcours jeu pour les familles, etc) rendent hommage à ce maillot de légende qui depuis sa création, rend le coureur unique parmi ses semblables du peloton et tisse le fil de la grande et de la petite histoire du Tour.

Pour ce nouvel accrochage des collections modernes et contemporaines, le musée Picasso d’Antibes propose de découvrir ses nouvelles acquisitions: des œuvres d’Anna-Eva Bergman et Hans Hartung, ainsi qu’une salle consacrée à l’artiste russe Edik Steinberg (voir photo). Deux salles seront également consacrées à Nicolas de Staël, suivies d’un parcours avec des œuvres d’artistes majeurs du xxe siècle : Jean  Degottex, Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Jean-Pierre Bertrand, Pierrette Bloch, Germaine Richier, Robert Malaval, Niki de Saint Phalle, César, Arman, Martial Raysse, Yves Klein, Jean Charles Blais, Jean Le Gac, Geneviève Asse, Antoni Clavé, Antonio Saura et Zoran Music, avec un accent particulier sur les œuvres de Jean Leppien et de Jacques Prévert.