Expositions

Par la rédaction

Chaque automne, le Musée Matisse Nice explore la réception contemporaine de l’œuvre d’Henri Matisse (1869-1954). Il présente cette année une exposition temporaire consacrée à Alex Katz (né en 1927), figure majeure de la peinture américaine. La rencontre entre Henri Matisse et Alex Katz s’inscrit dans une vaste histoire culturelle qui lie la France et les États-Unis. Dès 1908, l’œuvre d’Henri Matisse est présentée outre-Atlantique et participe à la découverte, par le public américain, des recherches les plus avant-gardistes de la création européenne. En février 1949, Alex Katz découvre dans la galerie de Pierre Matisse à New York une exposition que ce dernier consacre aux œuvres récentes de son père. Les peintures dites des « Intérieurs de Vence », dont la Nature morte aux grenades (1947) ou Le silence habité des maisons (1947), les dessins au pinceau et les papiers gouachés découpés provoquent chez le jeune artiste, alors étudiant à la Cooper Union de Manhattan, un profond choc esthétique. Dès lors, Alex Katz, peintre de l’Amérique quotidienne, ne cesse de regarder l’œuvre du maître français. Soixante-quinze ans plus tard, ce projet d’exposition est né de la rencontre de Katz avec les collections du musée, en 2024, et du dialogue fécond qui s’en est suivi. Conçue avec l’artiste lui-même, « Henri Matisse – Alex Katz. Le silence de la peinture » propose un parcours renouvelé de l’ensemble du musée à travers lequel les œuvres d’Alex Katz entrent en résonance avec celles d’Henri Matisse. L’exposition, par son ampleur chronologique, permet de découvrir l’œuvre d’Alex Katz depuis ses premiers travaux (Nude, 1951) jusqu’à ses œuvres les  plus récentes (Lilies 13, 2025). Peintures, dessins, découpages et estampes de l’atelier de l’artiste invitent le public à revisiter les collections du musée, elles-mêmes issues de l’atelier de Matisse, à travers une lecture contemporaine, et soulignent le caractère toujours actuel de son œuvre.

Par la rédaction

Le monde contemporain est saturé d’images. Parmi elles, certaines acquièrent une force particulière jusqu’à accéder au statut d’icône. Issu du grec eikôn (« image »), le terme désigne d’abord les représentations sacrées de la tradition chrétienne orientale. Il s’est progressivement étendu au domaine profane pour qualifier des figures dont l’image semble dépasser l’existence même.  L’exposition du Centre de la photographie de Mougins explore cette tension entre image et croyance, entre ceux qui sont représentés et ceux qui, par leur regard, leur admiration ou leur dévotion, contribuent à leur donner une existence autonome, hors du réel. L’accrochage s’organise en douze chapitres prenant pour ancrage un personnage-icône : Le Christ : la vraie icône / Le Guerrillero Heroico / Marilyn, Norma Jean, Zelda Zonk / La main de Dieu ou la vie de Saint Diego / Mausolées / La transverbération de Padre Pio / La Beatlemania / Alias Johnny / BB. La nouvelle Ève / Diana et le treizième pilier / Le 18 juin, une parole en acte / Frida Kahlo ou le dolorisme mexicain…

Par la rédaction

L’exposition Chagall Couture propose une réinterprétation contemporaine de l’œuvre de Marc Chagall dans le domaine de la création textile. Elle est le fruit de la collaboration, menée durant deux ans, avec les étudiantes et professeures du Diplôme National des Métiers d’Art et du Design du lycée Les Coteaux de Cannes, spécialisé dans la conception de costumes de scène. Pour concevoir cette collection qui rassemble 76 pièces, réparties en cinq projets, les étudiantes se sont inspirées d’une sélection d’œuvres de Chagall, emblématique de son rapport unique à la couleur et à la matière, et de sa grande maîtrise des techniques artistiques. Parmi elles, le cycle peint du Message Biblique, cœur de la collection permanente du musée, l’ensemble de gravures illustrant avec virtuosité Les Ames mortes de Gogol et Les Fables de La Fontaine ainsi que le vitrail d’étude pour La Rose bleue.  La collection de costumes entre ainsi en résonance avec cet aspect essentiel de la démarche de l’artiste. À l’instar de Chagall, l’enjeu pour les étudiantes est de retranscrire dans la matière textile, les effets d’ombre et de lumière, les vibrations et nuances colorées. Par l’emploi des multiples techniques et des savoir-faire séculaires – couture, broderie, dessin – les étudiantes opèrent un dialogue fructueux entre les formes classiques de l’histoire du costume et l’œuvre du peintre.

Par la rédaction

Le Musée International d’Art Naïf Anatole Jakovsky accueille, dans le cadre d’une résidence artistique, la plasticienne Virginie Broquet pour une présence prolongée au sein de ses murs. C’est dans l’ancien appartement des conservateurs, espace chargé d’histoire niché au cœur du Château Sainte-Hélène, que l’artiste a choisi de s’installer pour partager sa démarche créative avec le public niçois. Cette résidence intitulée Inspiration Intime invite les visiteurs à découvrir la pratique artistique de Virginie Broquet dans un environnement particulièrement propice à la contemplation. L’appartement des conservateurs, avec son atmosphère feutrée et personnelle, offre un écrin rare pour explorer l’univers de l’artiste au plus près de son processus de création.

Par la rédaction

Reportage, illustration, mode, publicité, portrait, travail personnel : Sabine Weiss a abordé tous les domaines de la photographie comme un défi, un prétexte de rencontres et de voyages, une façon de vivre et un mode d’expression de soi, en constante sympathie avec l’être humain. La nouvelle exposition du musée de la photographie de Nice rend compte de cette passion. Weiss est l’une des principales représentantes de la photographie humaniste française, aux côtés de Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat ou Brassaï. Ce courant, qui a connu son âge d’or après la seconde guerre mondiale, est célèbre pour avoir su saisir avec finesse la poésie du quotidien et montré avec empathie les sentiments, les joies et les peines des êtres humains ordinaires. Née en 1924, Sabine Weiss a fait don de ses archives à Photo Elysée à Lausanne en 2017, avant de recevoir en 2020 le prix Women in Motion pour la photographie remis par Kering et Les Rencontres d’Arles pour l’ensemble de sa carrière.

Par la rédaction

A travers la peinture, la sculpture, le dessin, la céramique ou encore la tapisserie, Hervé Di Rosa propose un univers coloré, libre et joyeusement subversif. Il développe depuis les années 1980 une œuvre foisonnante, vibrante et profondément singulière, à la croisée de la bande dessinée, du graffiti, de l’art brut et des arts populaires du monde entier. Conçue comme un parcours en trois chapitres, l’exposition de La Malmaison retrace plus de quarante années de création, depuis les années 1980 jusqu’aux œuvres les plus récentes, en passant par les cycles issus des voyages d’Hervé Di Rosa à travers le monde. Elle met en lumière la richesse d’un univers artistique en constante expansion, nourri d’influences multiples et d’un regard singulier sur les cultures visuelles. Né en 1959 à Sète, Hervé Di Rosa est une figure majeure de la scène artistique française contemporaine. Formé à l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, il  s’impose dès le début des années 1980 comme l’un des cofondateurs du mouvement de la Figuration Libre, aux côtés notamment de Robert Combas, Rémi Blanchard et François Boisrond.

Par la rédaction

Par la rédaction

Par la rédaction

Potiers, céramistes, sculpteurs et peintres, Lilette (1925-2006) et Gilbert Valentin (1928-2000) participent à l’essor artistique que connaît Vallauris après la Libération.  Unis par une même passion et une soif de liberté, ils poursuivent chacun leur formation avant de s’installer en 1950 à Vallauris dans une ancienne fabrique qu’ils baptisent « Les Archanges« . Ce lieu devient rapidement un espace d’art et de vie où grandissent leurs cinq enfants et où se réunissent poètes, musiciens et écrivains, dont Jean Cocteau, Pablo Picasso et Jacques Prévert. Tout au long de leur parcours, les Valentin explorent et renouvellent leur pratique : d’abord centrée sur la poterie, leur œuvre s’ouvre à la sculpture, à la peinture et au dessin, avant de revenir à la céramique sous la forme de tableaux poétiques et symboliques. Pendant près de cinquante ans, Lilette et Gilbert Valentin ont exposé en France et à l’étranger. Ils ont fait de leur galerie un lieu d’échanges et de création, aujourd’hui redécouvert à l’occasion de cette exposition à la galerie Lympia.

Par la rédaction

La Fondation Maeght présente une grande exposition consacrée à l’artiste américain Ellsworth Kelly. Ellsworth Kelly – Aux bords de l’eau, conçue par le commissaire invité Éric de Chassey, explore pour la première fois la place de l’eau dans l’œuvre de l’artiste, offrant un nouvel éclairage sur sa pratique et sa méthode de travail. Figure majeure de l’art américain, Ellsworth Kelly (1923–2015) est reconnu pour ses œuvres abstraites de grand format, qui entretiennent un rapport précis avec le monde visible. Tout au long de sa vie, il fut attiré par les environnements aquatiques — de Belle-Île à la Côte d’Azur, de New York aux Caraïbes — où l’expérience du regard porté sur l’eau donna naissance à des dessins, collages, peintures et sculptures. Plutôt que de représenter des paysages, Kelly y traduit la perception même de l’eau : ses variations chromatiques, la lumière et la surface. L’exposition rappelle également les liens précoces et durables de Kelly avec la famille Maeght. De retour en France en 1948, il expose à la Galerie Maeght à Paris et séjourne à plusieurs reprises chez la famille à Saint-Paul-de-Vence, nouant avec Adrien Maeght une amitié qui se poursuivra jusqu’à la fin de sa vie…

Par la rédaction

L’exposition Coun. Libera l’art au Palais Lascaris illustre la volonté de faire dialoguer le faste baroque et l’âme populaire de Nice. Depuis 2024, l’artiste Coun. accompagne le Palais Lascaris dans une démarche de médiation par l’image. Designer de formation, ce dessinateur de 39 ans au trait affirmé a su s’approprier les codes du lieu pour concevoir les divers livrets pédagogiques du musée. Son travail ne se contente pas d’illustrer : il traduit, avec une clarté et une sensibilité moderne, la profusion des plafonds mythologiques et la rigueur de l’architecture baroque. Avec Libera l’art, l’artiste Niçois franchit une nouvelle étape. Son esthétique, héritée du design, nourrie par la culture populaire niçoise et un humour corrosif, crée un contraste saisissant avec l’ornementation du Palais. En libérant le trait, Coun. libère aussi notre regard sur les collections et traduit avec clarté la richesse des plafonds et décors du Palais. Avec ses papiers moulés sculptés à la manière des premiers carnavaliers  Coun. transforme l’histoire en un langage visuel accessible à tous, faisant du musée un espace de jeu et de découverte. Cette exposition est une invitation à redécouvrir le Palais Lascaris à travers l’œil malicieux de l’artiste, prouvant que le patrimoine est une matière vivante, sans cesse réinventée par le talent de ceux qui le regardent.