Expositions

Par la rédaction

La nouvelle exposition du Musée Matisse de Nice, intitulée Noël Dolla, visite d’atelier,  réunit treize œuvres de la dernière série de Sniper, réalisées entre 2020 et 2021 à l’atelier du 109 à Nice.

 En 2018, Noël Dolla initie la série des Sniper. Ce titre générique désigne un ensemble d’œuvres dans lesquelles l’artiste souffle sa peinture à l’aide d’un pistolet à air comprimé produisant ainsi de séduisantes, et tout aussi effrayantes, «Fleurs du mal ». Jolies au premier abord, terrifiantes quand l’on sait ce dont il s’agit : la guerre, la mort, la chair déchiquetée…  Comme avec les séries antérieures, l’outil à l’usage trivial – ici un pistolet à “déboucher les chiottes” (sic) – joue le rôle d’intercesseur entre son corps et la peinture, cela toujours pour le mettre à distance, ne pas être dans le face à face avec le tableau et la projection d’un affect quel qu’il soit. Car depuis les années Support/Surface, Dolla cultive avec opiniâtreté « l’esprit d’abstraction », loin de l’académisme. La plupart des séries de celui qui se voit comme un « rationaliste baroque », font référence au contexte politique et social : Dolla est un artiste engagé. Lorsque surgit un nouveau sujet, terriblement humain, il lui faut  se l’approprier, ravaler la colère ou la haine qu’il suscite, afin de la sublimer dans l’exercice même de la peinture. D’où l’importance pour lui des outils du peintre, souvent détournés de leur emploi, mais toujours signifiants. Dans son nouvel atelier du 109 à Nice, il a pu développer et raffiner sa pratique des « Fleurs du mal » sur de très grands formats, des toiles de onze mètres de long qu’il peint suspendu à un rail dans une civière que ses assitants font avancer, monter ou descendre en fonction de ses besoins . Il y a  dans cette dernière série comme une inversion de la logique spatiale du tableau, exécuté à rebours, de droite à gauche, puis basculé du plan horizontal à la verticale du mur sur lequel il sera accroché. Inversé dans sa logique de lecture, l’espace de la peinture s’inscrit plutôt dans la durée du déplacement du visiteur qui suit du regard son déroulement, au diapason de cette danse aérienne à la trajectoire pourtant si implacablement macabre par ce qu’elle évoque.

Par la rédaction

Alors qu’il y a près d’un siècle  le jeune Léo Mirkine arrivait sur le port de Nice,  fuyant la Révolution bolchévique, la Ville de Nice célèbre les belles années du cinéma au travers de l’exposition « Mirkine par Mirkine : photographes de cinéma » au Musée Masséna. Léo Mirkine, c’est le photographe du 7ème art au destin hors du commun,  intimement lié à l’histoire de la Ville de Nice en tant que résistant de la première heure et photographe des Studios de la Victorine où les Mirkine (père et fils) ont contribué à plus de 80 longs métrages. Dés 1952, âgé de 18 ans, son fils Siki montre toute sa dextérité sur Fanfan la Tulipe  de Christian-Jaque et contribue à son tour à enrichir la collection Mirkine.  Ce sont plus de 250 tirages, une reconstitution du Studio Mirkine du 88, rue de France, des œuvres originales et des archives inédites qui sont exposés,  dans une fresque esthétique et historique qui débute en 1933 et qui immortalise un demi-siècle du cinéma français. De Mistinguet à Bardot, de Brasseur à Belmondo, d’Abel Gance à Vadim, le visiteur saisira tour à tour le talent de Léo Mirkine, photographe de plateau de Le Chanois, Pagnol, Carné ou Clouzot, du portraitiste favori de Sologne, Blier ou Morgan, du photographe des stars internationales et de plus de 160 long métrages, des grands classiques Et Dieu créa la… femme de Roger Vadim ou encore pour n’en citer que quelques-uns Les Diaboliques d’Henri Georges Clouzot ou Le testament d’Orphée de Jean Cocteau. Léo Mirkine s’exprime aussi loin des plateaux. Esthète passionné par le nu féminin, il devient au gré des tournages l’un des premiers reporters lucides envers la situation dans l’Afrique et l’URSS d’après-guerre. L’exposition met en avant cette saga familiale dont Stéphane Mirkine est la messagère.

Par la rédaction

Ouverte au printemps 2021 avec l’exposition de Dominique Tarlé sur le séjour azuréen des Rolling Stones à la villa Nellcote, La Galerie de l’Instant prolonge son séjour à Nice avec une nouvelle exposition consacrée à  Steve McQueen “Tout a commencé entre lui et la Galerie par quelques images prises par mon père pour Paris-Match lors des ISDT de 1964 en Allemagne de l’Est, raconte Julia Gragnon.  Sur cette compétition, plus de star, plus d’acteur, simplement un motard parmi les autres. Comme toujours c’est mon égoïsme et le plaisir de découvrir les photos de cette homme, qui m’ont donné envie de montrer ces clichés. On l’y voit sublime, épuisé, boueux, heureux dans son élément : la course moto, la compétition, sa passion“.  “C’est en voyant entrer dans la galerie des dizaines d’hommes, de tous âges, de tous styles que j’ai réalisé l’incroyable impact de Steve McQueen” poursuit la  directrice de la galerie.  Tant au niveau du style, de sa carrière, de ses choix de vie, il est pour nombres d’entre eux une inspiration ; et s’il a pu déraper, tous les admirateurs de l’artiste savent que c’est suite à des abus divers, et non pas à sa personnalité‘.   ” John Dominis comme mon père, François Gragnon, me disaient tous deux qu’il était le plus facile à photographier, à condition de le laisser LIBRE, de n’être qu’un témoin, raconte encore Julia Gragnon. C’est ainsi qu’ils obtinrent le meilleur de lui. Pareil pour les images de John Hamilton ou de son ami Barry Feinstein. Cette élégance naturelle, unique, cette grâce dont nous sommes tous témoins en regardant ces images, que nous lui envions tous, et qui nous fascine tant, depuis toutes ces années” .  Et de conclure : “Pour cette deuxième exposition dans notre nouvelle Galerie de Nice, il me semblait évident qu’il fallait exposer ces tirages, et pour certains les faire découvrir au public niçois avide de cette beauté, de cette intensité. Comme une époque révolue dont nous souhaiterions tous être à nouveau les témoins, comme une preuve que cela a existé même de façon fugace”.

Par la rédaction

Après restauration d’une partie du fond permanent du musée Matisse, répondant à leur volonté de partager l’art avec le plus grand nombre, David et Ezra Nahmad, marchands-collectionneurs éclairés, ont consenti au Musée le prêt des seize œuvres d’Henri Matisse issues de leur propre collection. Cet ensemble exceptionnel est pour la première fois révélé au public dans un nouvel accrochage. Nombre de ces tableaux, peints à Nice, ou à Vence, s’éclairent ici de la lumière qui les a vus apparaître et viennent dialoguer avec les œuvres de la collection du musée. Certaines de ces peintures sont déjà célèbres, comme La Leçon de piano de 1923 ou Jeune fille à la mauresque, robe verte de 1921, d’autres sont à découvrir, tels le petit intérieur d’Étretat, Figure assise et le torse grec ou La Lecture de 1947. Ces tableaux ont tous été acquis en ventes publiques, à Londres, New York, Paris ou Tokyo, et proviennent de collections célèbres, françaises ou américaines. Ce sont souvent des collectionneurs historiques de l’artiste des années 1920 et 1930, tels que les Américains John Quinn (L’Artiste et le modèle nu) ou Lillie Bliss (Jeune fille à la mauresque, robe verte), ou les Français, Jacques Soubies (Nu au drapé), Georges Renand (Nu au drapé ; Jeune femme assise en robe grise), Marcel Kapferer (La Leçon de piano ; Jeune fille à la mauresque, robe verte) et Henri Canonne (Intérieur – porte ouverte). Portrait au manteau bleu, Nu aux jambes croisées, ainsi que Figure assise et le torse grec, faisaient partie de la collection de l’artiste lui-même avant d’être cédés par son fils Jean Matisse qui en avait hérité. Cette collection a une histoire et une raison d’être, et s’inscrit dans un ensemble d’œuvres d’art impressionnistes et modernes  qui pourrait constituer à lui seul un fabuleux musée.

Par Ph.D

Après d’importants travaux de rénovation qui l’ont transformé en espace d’exposition ultra moderne,  le  Centre de la photographie de Mougins a réouvert ses portes au public cet été avec une exposition de la photographe espagnole, Isabel Muñoz. Pour sa deuxième exposition depuis qu’il en assure la direction artistique, François Cheval, propose de découvrir deux autres femmes photographes: la Suédoise Jenny Rova et l’Anglaise Natasha Caruana, dont il suit le travail depuis longtemps. Toutes deux présentent un accrochage sur un thème commun (et, oh combien ! universel) : L’Amour toujours. Elles le font à partir d’expériences personnelles, familières mais originales. La première a demandé à tous les hommes qui l’ont aimée de lui envoyer une photo d’elle qu’ils avaient gardé. Les clichés, étalés sur une vingtaine d’années, composent un “auto-portrait à travers le regard de mes amants” assez émouvant. La deuxième partie de l’exposition est plus dérangeante. Quittée par son amoureux, la photographe a commencé par l’espionner sur les réseaux sociaux, puis à collectionner les photos de lui avec sa nouvelle conquête. Elle s’est ensuite mis en tête de la remplacer dans les photos du couple. Pour cela, Jenny Rova  s’est habillée comme elle, s’est photographiée dans la même pose, avec le même éclairage (le makin of fait l’objet d’une vidéo),  puis a collé son portrait à la place de celui de la jeune femme sur les photos. Ces photos-montages, volontairement grossiers,   remplissent tout un cahier ! Pour les exposer, elle devait obtenir l’autorisation du couple :  il lui a donc fallu leur écrire. Pas évident…  La lettre figure au centre de l’expo. Et avec elle, toutes celles qu’elle n’a pas envoyé et qu’elle a photographié en grand format…  Un travail étonnant qui se termine par un mur d’images de son nouveau compagnon, composé de captures d’écran FaceTime de leurs conversations. Ces photos aussi ont une histoire mais on vous laisse la découvrir.

L’accrochage de Natasha Caruana n’est pas moins original. Amoureuse d’un homme marié, la jeune Anglaise a commencé à se photographier dans les endroits où il se rencontraient en secret. Puis l’ayant quitté,  elle s’est inscrite sur un site de rencontres et a photographié à la dérobée les hommes mariés qui lui donnaient rendez-vous. Des clichés décadrés d’hommes assis à une table de bistrot,  que Natasha a pris avec une montre-appareil photo et qui sont accompagnés d’enregsitrements de leurs conversations réalisés avec un faux portefeuille-enregistreur. Une vraie Mata-Hari des relations extra conjugales !  N’ayant toujours pas trouvé l’amour, alors que ses copines se mariaient à la chaine, la jeune femme est ensuite allée  chercher sur internet des photos de mariées vendant leur robe blanche sur des sites d’occasions pour en faire un mur d’images. Elle a aussi récupéré des alliances mises au clou  et s’en est fait un rideau de douche ! Enfin casée, elle a mis en scène son coup de foudre se figurant avec son amoureux  frappés par un éclair. Puis un jour, qu’elle s’était réveillée avec la sensation d’avoir à côté d’elle son ancien béguin (l’homme marié),  Natasha a imaginé de réunir les deux hommes de sa vie nus sur la même photo. Mission délicate dont on vous laisse découvrir l’issue dans cette exposition étonnante en forme de “Fragments d’un discours amoureux” chers à Roland Barthes et qui tend à prouver, selon François Cheval, que “les femmes ne photographient pas l’amour comme les hommes“. CQFD !

Par la rédaction

Pour la première fois, le MAMAC consacre une monographie à l’artiste Daniel Spoerri, membre du Nouveau Réalisme, proche de Fluxus, initiateur de l’Eat Art. Esquivant la rétrospective,  cette nouvelle exposition rend compte de la manière dont l’artiste se frotte au hasard, à l’anecdote et au dérisoire, avec comme point de départ : l’émotion. Elle  articule les recherches de l’artiste autour d’une nouvelle forme d’art visant à dépasser le champ de la représentation au profit d’une expérience sensorielle élargie, participative et collaborative. Le parcours s’apparente à une déambulation aussi surprenante et fascinante que celle d’un théâtre forain avec ses pièges et attrapes, ses cabinets de curiosité, ses banquets (l’artiste avait ouvert à cet effet son propre restaurant) et son ebnvironnement sonore d’époque. Il offre, avec près de 300 œuvres et documents, un parcours labyrinthique dans l’art de l’appropriation,  depuis ses premiers tableaux-pièges jusqu’à la création de musées insolites en passant par l’art de la table et de la cuisine. Si les tableaux-pièges de Daniel Spoerri sont devenus populaires, l’exposition dévoile un éclairage novateur du travail de l’artiste. Elle présente des œuvres et archives historiques majeures sous un angle original,  ainsi que des travaux moins connus tout aussi précurseurs et passionnants. Le projet rassemble, sur 1200 m2, des prêts exceptionnels des grandes institutions publiques françaises ( le Centre Pompidou-Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle ; le Centre National des Arts Plastiques ; le Musée d’Art Moderne de Paris ; le Musée d’art contemporain du Val-de-Marne). Des prêts majeurs sont consentis par la Bibliothèque nationale suisse, où sont conservées les archives de l’artiste, ainsi que par des galeries, des fondations et des collectionneurs de France et d’Europe. Objet d’une donation au Mamac, l’œuvre monumentale La Réplique de la Chambre n° 13 de l’Hôtel Carcassonne (1998),  reconstitution à l’échelle de la pièce où l’artiste a travaillé de 1959 à 1965,  est présentée pour la première fois en France. 

Par la rédaction

Conçue en partenariat avec le Centre Pompidou-Metz, l’exposition Marc Chagall, le passeur de lumière explore l’importance de la lumière et du vitrail dans l’œuvre de l’artiste. Aujourd’hui 15 édifices, disséminés en France et à travers le monde, portent fièrement en leur sein, les réalisations de l’artiste. Par ses créations, Marc Chagall entendait proposer à ses contemporains et aux générations futures des images de paix et de transcendance. Celles-ci, riches d’une iconographie foisonnante, sont admirablement soutenues par la force émotionnelle de ses couleurs et par les reflets changeants de la luminosité extérieure. En pleine maîtrise de ses moyens, Chagall a mis tout son talent de coloriste et de créateur d’images au service de cette technique exigeante. La grande majorité de ses fenêtres, créées dans les ateliers rémois du maître verrier Simon-Marq, ont été fabriquées dans la tradition d’un savoir-faire ancestral, pratiqué avec inventivité par Chagall et ses complices et amis, Charles Marq et Brigitte Simon. La touche finale, constituée des multiples rehauts de grisaille que Chagall apposait sur le vitrail pour faire vibrer la matière, nous offre toute la liberté et générosité de la main de l’artiste. En retour, le vitrail lui a permis de transcender les limites matérielles de la peinture en inscrivant les reflets changeants de la lumière comme une composante intrinsèque de l’œuvre. L’exposition de Nice permet de mettre à l’honneur deux pièces exceptionnelles conservées au musée national Marc Chagall : la maquette de la Rose pour la cathédrale de Metz et les vitraux de La Création du Monde, imaginés pour la salle de concert du musée. En ce lieu d’exception, les visiteurs ont le privilège de découvrir les vitraux éclairés de mille feux dans la lumière du matin puis de revenir le soir se laisser emporter par la musique dans la salle de concert…

Par la rédaction

Après Sebastiao Salgado, le musée de la photographie Charles Nègre à Nice accueille une rétrospective Yann-Arthus Bertrand. Une  exposition à la scénographie singulière puisque dispersée en différents lieux :  les photographies iconiques de La Terre vue du ciel sont exposée sur la Promenade du Paillon. La série Bestiaux illustrant les rapports de l’homme à l’animal est visible sur la Place Pierre Gautier. Enfin, le Musée de la Photographie accueille la rétrospective proprement dite du travail de Yann Arthus-Bertrand, accompagnée de la diffusion de son nouveau film Legacy, présenté à Cannes en juillet 2021. Dans son ensemble, l’exposition retrace le parcours singulier et engagé du photographe à la moustacle et à la crinière blanche : des toutes premières photos prises au Kenya, à la série Les Français, portraits de métiers aujourd’hui disparus ou menacés, en passant par Chevaux, portraits de chevaux à travers le monde issus d’une centaine de races et type différents, ou encore le grand projet La Terre vue du ciel. qui  s’inscrit dans les grands travaux de l’Histoire de la Photographie.