Cinéma

Par Ph.D

Le Pitch

Anciens amants, Sara (Allison Williams) et Jackson (Alexander Dreymon)  sont invités sur l’île tropicale de Rodrigues pour le mariage d’une de leurs amies. Ils se retrouvent seuls passagers d’un avion monomoteur survolant les eaux bleues de l’océan indien. Quand le pilote décède d’une crise cardiaque, le couple va devoir se débrouiller pour rallier l’île et y atterrir…

Ce qu’on en pense

Entre comédie romantique et survival, ce petit film signé Mikael Marcimain nous entraîne au dessus de l’océan Indien entre l’île Maurice et celle de Rodrigues, où deux ex-futurs tourtereaux à fort potentiel érotique  (Allison Williams vue dans Get Out et Alexander Dreymon héros sexy de The Last Kingdom) vont devoir remplacer au débotté le pilote de leur avion victime d’une crise cardiaque. Le réalisme n’étant pas le souci principal de cette sympathique production, on s’amuse bien à les voir ramper sur la carlingue en plein vol pour remplir le réservoir d’essence avec du rhum. Rythmé, amusant, ensoleillé et court (1h32), le film se laisse voir d’autant plus gentiment qu’on sait d’avance que plus leur situation aura l’air désespérée, plus les deux héros auront de chances de s’en sortir vivants.

Par Ph.D

Le Pitch

Après la projection en avant-première de son dernier film, un cinéaste (John David Washington) rentre chez lui avec sa petite amie (Zendaya). Alors qu’il est certain que son film rencontrera un succès critique et commercial, la soirée prend une tournure inattendue : les deux amoureux doivent affronter certaines vérités sur leur couple qui mettent à l’épreuve la force de leurs sentiments…

Ce qu’on en pense

Devenu en deux films (Another Happy Day, Assassination Nation) et une série (Euphoria) un des grands espoirs du cinéma américain, Sam Levinson a profité de l’interruption du tournage d’Euphoria à cause du Covid pour rameuter son actrice vedette (la filiforme et bombissime Zendaya) et le trés sexy John David Washington pour mettre en boite, vite fait bien fait,  ce drame conjugal en noir et blanc qu’on pourrait croire adapté d’une pièce de théâtre. Se jouant avec maestria du huis clos à deux personnages,  grâce à une mise en scène de haute volée, Levinson nous embarque dans une scène de ménage d’1h47 qui vaut son pesant de vaisselle cassée (en fait non: tout est verbal). Malcolm a oublié de remercier Marie pour sa contribution au scénario du film qu’elle a largement inspiré et qu’il vient de présenter avec succès en avant première. Grave erreur : Marie n’est pas de celle qui s’écrasent ou qu’on peut écraser de sa superbe ou de son  génie, réel ou supposé. Elle va le lui faire savoir au cours de longues joutes verbales filmées avec virtuosité,  dans une villa d’architecte entièrement vitrée et ouverte sur un jardin, ce qui permet à la caméra de glisser constamment de l’extérieur à l’intérieur. Pour l’anecdote, Sam Levinson avait fait la même erreur que son héros lors de la première d’Assassination Nation. La dispute conjugale qui s’en est suivi a inspiré le film. Merci madame Levinson ! 

Par Philippe DUPUY

Le Pitch

A Boston, Martha (Vanessa Kirby) et Sean Carson (Shia LaBeouf) s’apprêtent à devenir parents. Mais la vie du couple est bouleversée lorsque la jeune femme accouche chez elle et perd son bébé, malgré l’assistance d’une sage-femme (Moly Parker),  bientôt poursuivie pour acte de négligence. Martha doit alors apprendre à faire son deuil, tout en subissant une mère intrusive (Ellen Burstyn) et un mari de plus en plus irritable. Mais il lui faut aussi assister au procès de la sage-femme, dont la réputation est désormais détruite.

Ce qu’on en pense

Comme on finit l’année, on la commence: avec un grand film Netflix. Après David Fincher et Mank (Numéro 1 de notre top films 2020), la plateforme enfonce le clou avec Pieces of a Woman du Hongrois préféré de Cannes, Kornel Mundruczo. Découvert en 2014 avec White Dog, Mundruczo avait divisé la critique en 2017 avec La Lune de Jupiter, polar mystique et fantastique qui faisait d’un jeune migrant un super héros christique. Il devrait à nouveau faire l’unanimité avec Pieces of a Woman, superbe portrait de femme en forme de mélodrame qui suit la reconstruction d’une jeune mère après la perte de son premier enfant à l’accouchement. Réalisation virtuose (le plan séquence d’accouchement  restera dans les annales) et intimiste à la fois, direction d’acteur au top, casting parfait  (Vanessa Kirby découverte en sœur de la reine dans The Crown a reçu le prix d’interprétation à Venise pour son rôle de mère éplorée, Shia LaBeouf est trés bien aussi dans celui du mari), scénario impeccable :  le film coche toutes les bonnes cases. Pour sa première réalisation hors de son pays, Kornel Mundruczo signe une oeuvre bouleversante, dont l’atmosphère enneigée et la localisation dans le Massachussets pourront rappeler à ceux qui l’ont vu le très beau Manchester By the Sea de Kenneth Lonergan, autre grand film sur le travail de deuil…

Par Philippe DUPUY

Le Pitch

Apparaissant sous un drap blanc, le fantôme d’un homme (Casey Affleck) rend visite à sa femme (Rooney Mara) en deuil dans la maison de banlieue qu’ils partageaient encore récemment.Dans ce nouvel état spectral, le temps n’a plus d’emprise sur lui. Condamné à ne plus être que simple spectateur de la vie qui fut la sienne, le fantôme se laisse entraîner dans un voyage à travers le temps et la mémoire. En proie aux ineffables questionnements de l’existence et à son incommensurabilité…

Ce qu’on en pense

Les blockbusters et les disputes conjugales ont parfois du bon. La preuve avec A Ghost Story, que David Lowery raconte avoir tourné pour prouver à son épouse – qui lui reprochait d’avoir vendu son âme à Hollywood avec Peter et Elliott le dragon-, qu’il était encore capable de réaliser un film indépendant comme Les Amants du Texas. Il a donc rappelé Casey Affleck et Rooney Mara et les a enfermés dans une maison abandonnée de la banlieue d’Irving au Texas, où il a grandi, pour y tourner, avec des moyens réduits et dans un format 4/3, ce film de fantômes à l’ancienne, avec drap blanc troué et sans effets spéciaux. Résultat: un petit chef d’œuvre poétique, qui a raflé trois prix (Prix du jury ex æquo, prix de la révélation, prix de la critique) à Deauville. Entamé comme un nouveau Paranormal Activity, avec longs plans fixes et musique angoissante (signée Daniel Hart), A Ghost Story glisse insensiblement vers le surréalisme et, après un plan fixe (déjà culte) de 4 minutes sur Rooney Mara en train de manger une tarte pour tromper son chagrin, finit par former une vaste fresque temporelle qui va de l’Amérique des pionniers à nos jour. Le tout en 1h30 chrono et sans quitter la maison abandonnée, où le fantôme de Casey Affleck semble condamné à errer pour l’Éternité ! Une épopée intimiste et claustrophobique à (re)voir absolument sur Netflix. 

Par Philippe DUPUY

Le pitch
Hollywood, 1940 :  victime d’ un accident de voiture qui le cloue au lit pour plusieurs mois, le scénariste Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman), alcoolique invétéré au regard acerbe, est envoyé par Orson Welles (Tom Burke) dans une villégiature isolée du désert de Mojave, avec 60 jours pour lui écrire un scénario : ce sera Citizen Kane… 

Ce qu’on en pense

Le plus grand film de l’année 2020 sort…  sur Netflix.  Et le Covid n’y est pour rien, cette fois !  David Fincher,  qui n’a plus tourné pour le cinéma depuis Gone Girl (2014),  a délibérément choisi la plateforme de streaming pour diffuser son film, qui est – ce n’est pas le moindre paradoxe- un formidable hommage au cinéma. Après Roma d’Alfonso Cuaron et The Irishman de Martin Scorsese,   Netflix s’impose comme le dernier refuge du grand cinéma d’auteurs et fera sans doute la course des Oscars en tête avec Mank, biopic du scénariste de Citizen Kane, Herman J Mankiewicz , auquel Gary Oldman prête son talent transformiste. Un film fleuve de 2h12 sur les coulisses de l’âge d’or d’Hollywood,  qui est aussi une ode à la liberté de création. Dans un sublime noir et blanc,  qui rappelle évidemment le chef d’oeuvre d’Orson Welles,  David Fincher (Fight Club, Zodiac, The Social Network), adaptant un scénario écrit par son père il y a vingt ans,  fait une démonstration de mise en scène époustouflante. En d’autres temps, ce film aurait enflammé la Croisette et décroché une Palme d’or. Il se contentera de quelques millions de vues sur Netflix et d’une ou deux statuettes. Ainsi va (ou ne va plus ?) le cinéma…  

Le pitch
Thee Wreckers Tetralogy s’attache aux déambulations d’un groupe de rock virtuel, où la musique redonne vie aux fantômes et ravive les souvenirs, les illusions, les sacrifices. Un trip musical résolument Rock, convoquant l’esprit des artistes, à la fois jeunes, vieux, morts et éternels…

Ce qu’on en pense

Décédé en mars 2019 à l’âge de 50 ans, l’artiste néerlandais Rosto a laissé une oeuvre musicale et filmée qui baigne dans des atmosphères à la Residents/NIN/David Bowie (En retour, ce dernier s’est semble-t-il pas mal inspiré de l’univers visuel de Rosto pour ses derniers clips). Thee Wreckers Tetralogy est le montage de quatre courts métrages sous forme de cadavre exquis (la fin de l’un est le début de l’autre) qui racontent à leur manière l’épopée d’un groupe de rock (The Wreckers), plus ou moins inspiré de celui qu’avait formé Rosto dans sa jeunesse. Les chansons de la  B.O,  que Rosto a écrites dans une veine très Bowie dernière période, racontent l’histoire et sont annoncées par des citations de John Lennon ou Kurt Cobain, d’où il ressort que la réalité pourrait être « un rêve que l’on fait ensemble »…  Les effets visuels et les personnages résultent du mélange d’images réelles et d’images de synthèse insérés dans des décors numériques. Le résultat, bien que très clippesque,  est parfaitement original et légèrement perturbant. Un cauchemar de Tim Burton sous drogues psychédéliques.  Pour amateurs de rock industriel et de cinéma de l’étrange.  

Le Pitch 

Charlie (Adam Driver) metteur en scène de théâtre et sa femme Nicole  (Scarlett Johansson) actrice mènent une vie heureuse à New York avec leur jeune fils Henry (Azhy Robertson). Mais Nicole souffre secrètement d’avoir quitté Los Angeles et abandonné sa carrière au cinéma et à la télé pour suivre Charlie sur la Cote Est. Lorsqu’on lui propose un rôle dans une série, elle décide de s’installer à LA avec Henry…

Ce qu’on en pense

Noah Baumbach a été parmi les premiers réalisateurs américains à se faire produire par Netflix avec The Meyerhowitz Story, dont la sélection en compétition à Cannes fit polémique. Il récidive avec Marriage Story, un long métrage autobiographique de plus de deux heures  qui raconte son divorce avec l’actrice Jenifer Jason Leigh. Et c’est encore une fois un des meilleurs films de l’année qui échappe au circuit des salles de cinéma. Ne le verront que les abonnés de Netflix. C’est bien dommage car Scarlett Johansson y trouve un de ses plus grands rôles et Adam Driver y est une fois de plus très convaincant. Comme The Irishman de Scorsese, Marriage Story s’étire un peu en longueur et pourrait être découpé en deux ou trois parties comme une mini série. C’est peut-être la marque des films Netflix,  qui brouillent les frontières entre cinéma et séries… Mais qu’on le voit en une ou plusieurs fois, le résultat est le même: cette chronique d’un divorce annoncé est superbe.  Mieux encore que Fances Ha qui restait jusqu’ici le meilleur film de Noah Baumbach. Si Netflix maintient ce niveau de productions, les cinéphiles vont vraiment devoir se résoudre à s’y abonner.

Le pitch

Avec des dettes qui s’accumulent et des créanciers qui le traquent, Howard Ratner (Adam Sandler) un bijoutier new-yorkais volubile et mythomane risque tout dans l’espoir de rester à flot… et en vie.

Ce qu’on en pense

Après avoir fait sensation à Cannes pour leur première sélection en compétition avec Good Time et un Robert Pattinson transfiguré, les frères Safdie débarquent sur Netflix,  avec un thriller virtuose mené à tout berzingue dans le New York de Scorsese et Abel Ferrara. Adam Sandler, méconnaissable, y campe un bijoutier juif adepte des paris à haut risque, qui mise tout sur une opale éthiopienne dont il estime la valeur à un million de dollars, pour échapper à des créanciers qui veulent sa peau. Sur cette trame assez peu originale,  Benjamin et Josh Safdie signent leur meilleur film à ce jour et réussissent à tenir le spectateur en haleine pendant deux heures grâce à l’abattage d’Adam Sadler et à une réalisation en constant mouvement. Un vrai bijou! 

Le pitch

Dans une maison de retraite, Frank Sheeran (Robert de Niro),  ancien soldat de la Seconde Guerre mondiale devenu escroc et tueur à gages pour la mafia et le syndicat des camionneurs de Jimmy Hoffa (Al Pacino) se souvient de sa vie criminelle…

Ce qu’on en pense

Adapté du livre de Charles Brandt, J’ai tué Jimmy Hoffa, The Irishman est une fresque crépusculaire qui plonge dans les arcanes de la mafia et recoupe plusieurs décennies de l’histoire des États-Unis, de l’élection de John Kennedy au Watergate, en passant par la tentative ratée d’invasion de Cuba à la Baie des cochons. Pour ce qui pourrait être son film de mafia ultime et testamentaire Martin Scorsese s’est fait plaisir : 160 millions de dollars de budget, 117 lieux de tournage différents, 309 scènes distinctes, un casting dinosaurien (De Niro, Pacino, Harvey Keitel, Joe Pesci… ) et, à l’arrivée, un film de près de 3h30 –  quasi l’équivalent d’une saison des Sopranos ! -,  que seul Netflix pouvait, semble-t-il,  prendre le risque de financer. Ce qui le réserve, hélas, aux seuls abonnés de la plateforme et  prive même ces derniers du plaisir de le voir sur écran géant en son Dolby Surround. Pour le réaliser, Scorsese a fait appel à la technique du de-aging qui consiste à faire jouer les scènes par les acteurs et à les rajeunir numériquement. On voit ainsi évoluer à l’écran un Robert de Niro âgé de 34 à 83 ans et ses partenaires sont eux aussi rajeunis de quelques décennies. Le résultat est épatant, même si, en regardant bien, on a quelquefois l’impression qu’ils sortent tous d’un jeu vidéo.  Ce n’est évidemment pas le seul intérêt du film qui se regarde comme une série hyper luxueuse (les décors, les costumes, la musique sont fabuleux). Délaissant un peu les scènes ultra violentes de ses classiques films de mafia , Scorsese y fait preuve de plus de nostalgie et d’humour que de coutume. On ne s’en plaint pas, au contraire. Un régal !

« Comment fais-tu pour raser ça ? » lui demandait Kim Novak dans Liaisons Secrètes (Richard Quine 1960). Arme de séduction massive, la célèbre fossette de Kirk Douglas lui fendait le menton en deux. Est-ce pour cela qu’il incarna toujours – avec une rare expressivité-,  des personnalités ambivalentes ?   De La Captive aux yeux clairs (Howard Hawks 1952) à L’Arrangement (Elia Kazan 1969) en passant par Les Sentiers de la Gloire (Stanley Kubrick 1957) et La Vie passionnée de Vincent Van Gogh (Vincente Minelli 1957),  Les Vikings (Richard Fleisher 1958) et  Spartacus (Stanley Kubrick 1960), ses compositions complexes en firent plus qu’une icône de l’âge d’or d’Hollywood : littéralement un « monstre sacré ». Dernier à mériter ce titre, Kirk Douglas, né  Issur Danielovitch Demsky le 9 décembre 1916, s’est éteint le 5 février 2020,  à l’âge vénérable de 103 ans. C’est son fils Michael qui a annoncé son décès. Avec l’âge et les honneurs, il avaient fini par tellement se ressembler qu’on pouvait presque les confondre. Mais lorsqu’à l’occasion de la promo du film Ant Man,  on avait demandé à Michael Douglas quel était son super héros préféré, il nous avait naturellement répondu: « Mon père ! ».

« Farouche et sarcastique » c’est ainsi que  Gilles Jacob, qui l’accueillit souvent au festival de Cannes se souvient de Kirk Douglas. « Kirk s’est fait tout seul, a survécu à tout,  rappelle l’ancien président du Festival : pauvreté, accident d’hélicoptère, AVC, crise cardiaque et même rescapé d’Hollywood, qui ne lui a donné au bout de 80 rôles qu’un Oscar de consolation ». Cannes n’ a pas été beaucoup plus prodigue, à vrai dire. Il y vint pourtant pour la première fois en 1947 pour L’Emprise du crime, son premier rôle au cinéma. Cinq ans plus tard, il foulait à nouveau le tapis rouge pour Detective Story de William Wyler. Mais c’est sa partenaire, Lee Grant, qui remporta le prix d’interprétation. Première Victoire en 1965 n’en fut pas une, non plus… Si l’on en croit la légende,  c’est même grâce à un heureux quiproquo  qu’il présida, en 1980,  le jury du 33e Festival: c’est Douglas Sirk qui avait, en réalité, été pressenti, mais l’information fuita avec le mauvais nom ! Douglas Kirk se rattrapa en couronnant deux chefs d’oeuvre : All That Jazz de Bob Fosse et Kagemusha d’Akira Kurosawa. Le Festival l’accueillit une dernière fois en 2010 pour un documentaire sur le chef opérateur Jack Cardiff auquel il avait participé avec Lauren Bacall,  Charlton Heston et Martin Scorsese.  Ces dernières années,  l’acteur restait étonnamment actif sur son blog qu’il animait d’une plume alerte. Dans une tribune suivant l’élection de Donald Trump, il mettait en garde contre les dangers du populisme qui menaçait , pensait-il, son pays et le monde.  « Fils de chiffonnier », ainsi qu’il se présentait dans le titre de son autobiographie, son coeur restait solidement accroché à gauche. Jusqu’au dernier battement.