Ça vient de sortir

Le pitch 

Au 18e siècle, en Bretagne, Héloïse (Adèle Haenel), fraîchement sortie du couvent, doit être mariée. Afin de décider le futur époux, qui ne l’a jamais vue, sa mère (Valeria Golino) a imaginé de faire peindre son portrait par Marianne (Noémie Merlant), une jeune artiste parisienne. Celle ci arrive dans l’île où la famille a élu résidence pour apprendre qu’Héloïse refuse de poser et qu’elle devra la peindre à son insu, en se faisant passer pour une dame de compagnie. Un stratagème vite éventé : troublée de l’attention que lui porte Marianne, Héloïse en tombe peu à peu amoureuse…

Ce qu’on en pense

Pas facile d’être une femme au 18e siècle ! Mère et veuve (Valeria Golino) il vous faut trouver un bon parti à votre fille pour assurer vos vieux jours. Jeune et jolie bourgeoise (Adèle Haenel), vous êtes juste bonne à marier. Servante et enceinte de votre premier amant (Luana Bajrami), il vous faudra cacher votre condition à la patronne et recourir aux services d’une faiseuse d’ange pendant son absence. Artiste de talent (Noémie Merlant), les grands motifs vous seront interdits, car aucun homme ne voudra poser pour vous. Vous serez condamnée à enseigner (à d’autres femmes) et à effectuer des portraits de commande… Peintre de la condition féminine (La Naissance des pieuvres, Tomboy Bande de filles), Céline Sciamma brosse ce double portrait de femmes en une série de croquis flamboyants. Elle filme le trouble féminin, les regards et les soupirs comme personne. Son film à la beauté formelle d’une toile de maître, la sûreté d’une esquisse au fusain et le charme excitant d’un nu érotique. Adèle Haenel, que la réalisatrice avait révélée dans La Naissance des pieuvres, est une fois de plus prodigieuse. Après Curiosa de Lou Jeunet et Les Drapeaux rouges de Nathan Ambrosioni, Noémie Merlant confirme qu’elle est une des valeurs montantes du cinéma français. Toutes les deux méritaient un prix d’interprétation féminine ex-aequo à Cannes, où le film était en compétition.Le jury a préféré décerner au film un prix du scénario qui consacre, certes, sa portée militante, mais minore sa beauté formelle et sa richesse émotionnelle. Un des plus beaux films de 2019. 

Déjà sous évalué à Cannes, avec un Prix du scénario qui récompensait mal sa splendeur, Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma a encore dû se contenter d’un prix de la meilleure photo aux César, alors que l’Académie  avait l’occasion de pouvoir décerner un César de la meilleure réalisation à une femme : Céline Sciamma. Alors que le film sort enfin en dvd, la réalisatrice répond à nos questions et rappelle que l’ostracisation des femmes dans l’Art ne date pas d’hier…

Comment avez vous reçu ce Prix du scénario à Cannes? Il a déçu beaucoup de festivaliers  qui s’attendaient à mieux pour votre film…   

J’étais déjà bien heureuse d’avoir été dans la course et d’être primée pour ma première participation à la compétition. Après, c’est vrai qu’on rêvait plus d’un prix d’ensemble et il a fallu gérer la déception de l’équipe. Mais c’est un film très écrit, qui  m’a pris le plus de temps que les autres à scénariser. Je suis ravie qu’on identifie mon travail dans ce domaine et que le film soit au palmarès.

Quel est votre rapport à l’art pictural dans lequel baigne le film?

Je n’ai  pas de rapport particulier à la peinture, même si je vais en voir depuis toujours. J’ai choisi cet art avant tout pour filmer une artiste au travail. Je voulais montrer la peinture comme geste plutôt que comme oeuvre.  On a beaucoup travaillé sur la gestuelle avec la peintre du film, Hélène Delmaire,  qui est une artiste contemporaine de 30 ans. La seule référence picturale que j’avais au départ c’est Corot,  qui a fait quelques portraits de femmes particulièrement lumineux.

Vous affirmez dans le film que les femmes-peintres étaient, à cette époque, empêchées de réussir. Pourquoi?  

Elles n’avaient pas les mêmes opportunités d’exposition et de sujets. Les  cours d’anatomie étaient  réservés aux hommes. Pourtant,  c’est  un moment de l’histoire de l’art où la scène artistique féminine est particulièrement florissante. Il y a eu une sorte de parenthèse enchantée, puis le couvercle s’est refermé. Ce fut  une volonté politique de réduire le champ d’action des femmes dans la société et de les effacer de l’histoire de l’art. Ce ne sont pas des peintres oubliées mais des peintres effacées de l’histoire.

Le film est une véritable symphonie de regards échangés entre les deux femmes. Comment filme-t-on cela ? 

C’est une chorégraphie qui s’est créée en live, à la voix,  en donnant les indications aux comédiennes. Au montage j’avais comme un herbier de regards dans lequel j’ai pu puiser. Mais travailler les yeux,  c’est aussi travailler les paupières la bouche, le menton , le nez…  Tout le visage en fait.

Pourquoi avoir choisi de vous attarder, en ouverture, sur l’accostage laborieux de Marianne sur l’île? 

Je voulais qu’on soit tout de suite dans la physicalité car il y a un parti pris de cinéma très physique pour ce film. Marianne est un personnage qui se jette à l’eau, littéralement, qui ne lâche rien et pour laquelle son art est la chose la plus précieuse.  C’est ce qu’est censé montrer cette première scène.

Pourquoi lui faire peindre aussi l’avortement de la jeune servante? 

Un film de femme,  c’est l’audace de regarder des choses qui nous sont intimes. Les scènes d’avortement sont rares au cinéma : je voulais représenter le fait que ça ne l’est pas dans la réalité. Pourtant, aucun musée du monde ne contient une toile qui s’appelle « La faiseuse d’anges ». Cela montre qu’en se privant des artistes femmes, on se prive de la représentation de la vie intime des femmes. Ce sont des images qui  manquent.

Quelle est la fonction du personnage de la servante ?

Elle représente la sororité,  par laquelle il est possible d’abolir la hiérarchie de classe

Pourquoi l’amour de Marianne et Héloïse est-il  impossible ? 

Parce qu’ elles mêmes n’y croient pas. Pour raconter la condition vraie des femmes de cette époque, il ne fallait pas leur donner un destin trop héroïque.

Le choix de Vivaldi pour la dernière scène  ? 

Je voulais un tube facilement identifiable pour  reconvoquer le pouvoir de la musique au cinéma dans un film qui n’en a pas. C’est une interprétation particulière, avec un violon spécial qui donne au morceau une puissance rare.

Le pitch

Au moyen âge, le jeune Dennis (Michael Palin) décide de tenter sa chance en ville dans l’espoir de conquérir le coeur de sa dulcinée, Griselda, restée au village. Pendant ce temps, un horrible monstre surnommé Jabberwocky fait régner la terreur, tuant et anéantissant tout sur son passage. Voyant son royaume menacé, le roi Bruno le Contestable (Max Wall) promet la main de sa fille à celui qui terrassera la bête…

Ce qu’on en pense 

Premier film post Monthy Python de Terry Gilliam, Jabberwocky  ressort en version restaurée 4K. Encore très imprégné par l’humour loufoque de la troupe anglaise, le film ressemble beaucoup à une suite de Sacré Graal, sorti deux ans plus tôt (1975).  On découvrait en Terry Gilliam un réalisateur plus exigeant que ses camarades et à l’univers plus tourmenté.  Ses films suivants (Brazil, Fisher King, Larmée des 12 singes)  le confirmeront.

Par Ph.D

Quatre ans après son décès, Parlophone publie un EP 6 titres de David Bowie,  composé d’inédits et de raretés enregistrés  en 1996-97 dans sa période « Drum’nBass » (Outside/Earthling) : pas la plus facile,  mais elle donna lieu à deux tournées magnifiques (dont on espère un album live).  L’EP s’ouvre sur ‘Baby Universal 97’, une chanson qui figurait sur le deuxième album de Tin Machine.  Cette version devait figurer sur Earthling, entre ‘I’m Afraid Of Americans’ et ‘Law (Earthlings On Fire)’. « Fun » est une  remise à jour de ‘Fame’, repris sous le titre ‘Is It Any Wonder?’ lors des sets en club de la tournée Earthling. Les parties rythmiques et les programmations ont été réalisées à Dublin, lors des répétitions de la tournée, début 1997.  « Stay 97 » est, comme son nom l’indique, une relecture de la chanson parue en 1976 sur  l’album Station To Station.  La version a également  été enregistrée à Dublin avec Mark Plati et Reeves Gabrels lors des répétitions de la tournée Earthling. « I Can’t Read » figurait sur  le premier album éponyme de Tin Machine paru en 1989.  Lors du mixage d’Earthling, David Bowie l’a ré-enregistré et le titre a temporairement fait partie de la version finale de l’album, avant d’être écartée au profit de  ‘The Last Thing You Should Do’. Le semi-instrumental ’Nuts’ a été co-écrit par David Bowie, Reeves Gabrels et Mark Plati. Il a aussi  été enregistré lors de la dernière séance d’enregistrement d’Earthling, en novembre 1996. Retiré du tracklisting au dernier moment, le titre est resté inédit jusqu’à ce jour. La version physique de l’EP s’ouvre et se referme sur deux versions  de « The Man Who Sold The World«  : la première est extraite d’une séance d’enregistrement pour la BBC, le 8 janvier 1997 , à l’occasion du 50 ème anniversaire de Bowie, l’autre est un live remixé par Eno. Disponible en streaming le 13 février, Is It Any Wonder ? sera dans les bacs des disquaires le 20 mars. Les fans voudront l’avoir dans tous les formats disponibles.

Le pitch

Souffrant de problèmes neurologiques suite à une enfance traumatique, Arthur Fleck (Joaquin Phœnix) vit avec sa vieille mère à Gotham City et travaille comme clown pour la publicité, les anniversaires et les hôpitaux. En regardant chaque soir le show de Murray Franklin (Robert de Niro) à la télé, il rêve de se produire sur scène comme humoriste et note ses meilleures blagues dans un grand carnet qui ne le quitte jamais. Sa vie bascule lorsqu’il est agressé dans la rue et perd son boulot… 

Ce qu’on en pense

On s’en doutait depuis le Lion d’or obtenu à la Mostra de Venise, le Joker de Todd Phillips, même sous licence DC Comics, n’a rien à voir avec un film de super-héros classique. Ni même avec le prequel de Batman annoncé (bien qu’on y croise la famille de Bruce Wayne). C’est un film noir et violent, qui aurait très bien pu être signé Martin Scorsese. Le scénario évoque d’ailleurs un mix de Taxi Driver et de King of Comedy (La Valse des pantins en VF). La présence de Robert de Niro en présentateur de télévision renforce évidemment cette impression. Idem pour la reconstitution de Gotham City, qui ressemble à s’y méprendre au New York, crade et dangereux de Taxi Driver. Dire qu’on n’attendait pas un tel chef-d’œuvre de Todd Phillips serait un doux euphémisme. Le réalisateur de Very Bad Trip et de Date Limite est totalement transfiguré. C’est Bruce Wayne lorsqu’il enfile le costume de Batman ! On rêve d’ailleurs de lui voir réaliser un film de la saga de l’homme chauve-souris. Christopher Nolan n’a qu’à bien se tenir ! Mais si Joker est un tel choc, c’est bien sûr grâce à (ou à cause de) la prestation hallucinée et hallucinante de Joaquin Phœnix. Spécialiste des rôles « habités » et borderline (Beautiful Day, Inherent Vice, The Immigrant, The Master, La Nuit nous appartient…), l’acteur a perdu 25 kg pour incarner Arthur Fleck. Sa maigreur est encore plus effrayante que son rire névrotique. Et pourtant, il réussit à rendre le personnage fragile, sensible et presque attendrissant. Un « freak » qui porte sur ses épaules décharnées toute la misère et toute la violence du monde et qui décide de la retourner à l’envoyeur dans une geste anti-establishment qui fait basculer le film en brulôt politique. De tous les plans, Phœnix fait oublier les incarnations précédentes, pourtant supposées indépassables, du Joker par Heath Ledger et Jack Nicholson. 

Le pitch

Après un passage remarqué aux Nuits Carrées d’Antibes, cet été, le Marseillais Fred Nevché était de retour sur la Côte d’azur le 1er février pour un nouveau concert à la Scène 55 de Mougins. L’occasion de parler avec lui de  Valdequeros, quatrième album voyageur qui ne nous a pas quittés depuis sa sortie l’an dernier.

Dans «Décibel», le long poème musical et visuel qu’il avait lâché sur Internet, comme on jette une bouteille à la mer, Fred Nevché racontait déjà ce rêve «étrange et récurrent» dans lequel il traverse la France en voiture avec Johnny comme passager… C’est devenu une chanson («Moi je rêve de Johnny souvent») de son quatrième album, Valdevaqueros, sorti sur le label de la coopérative InternExterne qu’il a fondée à Marseille : «Une forme d’hommage à celui qui a introduit la musique moderne, et pas seulement le rock’n’roll, dans notre vieux pays, explique le poète électro marseillais. Je l’ai écrite deux ans avant sa mort parce qu’il embrasse une certaine idée de la France et traverse les générations.Il était là quand je suis né, il est encore bien là et il y sera encore longtemps à mon avis.C’était un interprète hors du commun et une personnalité attachante, malgré ses travers un peu beauf, ses envies d’évasion fiscale et ses idées politiques gentiment réac…Je ne l’ai jamais côtoyé, mais j’ai effectivement rêvé que je le prenais en voiture à la sortie d’un concert et qu’on partait ensemble sur les routes. La chanson est assez représentative de ce que j’avais envie de dire et de faire dans ce nouvel album».

Après dix années de tournées incessantes, Nevché avoue avoir eu besoin d’une pause «J’étais complètement rincé et je me demandais si ça valait le coup de continuer». C’est par l’écriture poétique que le Marseillais s’est remis en selle.«Il y a d’abord eu le poème «Décibel», puis des bribes de chansons et l’envie de faire un film. Tout ça a fini par s’assembler, comme les pièces d’un puzzle, et par prendre la forme d’un projet plus large dont je savais qu’il prendrait du temps à mettre en place et à promouvoir». Après la vidéo de «Décibel», déposée sur Youtube en janvier plusieurs clips ont suivi: «Moi je rêve de Johnny souvent», «Le Besoin de la nuit» et «L’Océan»… «On a tourné un clip pour chacune des chansons de l’album, raconte Nevché. Ils  forment une histoire, avec des personnages communs». C’est Vittorio Bettini qui a réalisé le film, en 15 jours de tournage à Marseille, avec des acteurs locaux et des moyens de cinéma. Le résultat est superbe et colle parfaitement avec les chansons. Musicalement, Valdevaqueros reprend les choses où les avait laissées son prédécesseur (Rétroviseur). Le titre, Valdevaqueros, fait référence à une plage d’Andalousie où Nevché raconte avoir eu la vision de la direction à donner à sa vie, alors qu’il avait 16 ans : «C’est une plage de véliplanchiste, très ventée.Et le vent n’arrête pas de tourner. Un coup à droite, un coup à gauche… C’était assez symbolique de l’indécision dans laquelle j’étais quant-à ce que je voulais faire de ma vie». Le texte de la chanson, comme la plupart des autres sur l’album, est à tiroirs.«Au premier degré, ce sont les tourments d’un jeune homme.Mais on peut y voir aussi une connotation politique: refuser le choix imposé entre la droite et la gauche et tracer droit devant». Il y a aussi la question du genre qui traverse tout l’album .Et ce clin d’œil ironique à Jacques Brel:«Je ne te quitte pas»…

Le pitch

Dans un futur proche, où l’homme a colonisé la Lune et la planète Mars, l’astronaute Roy McBride (Brad Pitt) est envoyé aux confins du système solaire, à la recherche de son père (Tommy Lee Jones) , héros de la conquête spatiale dont le vaisseau a disparu il y a des années. Mystérieusement réapparu à proximité de Jupiter, il représente une menace pour l’espèce humaine toute entière…

Ce qu’on en pense

De Little Odessa, avec lequel on l’a découvert en 1994 au déjà très Conradien The Lost City of Z (2016), en passant par The Yards, La Nuit nous appartient,  The Immigrant et Two Lovers, la quête de soi et la filiation sont au cœur du cinéma de James Gray,  quels que soient les genres qu’il aborde (polar, aventure, thriller, romance…). Pas de surprise donc avec Ad Astra, son premier film de Science Fiction: il s’agit toujours pour le héros incarné par Brad Pitt, d’y trouver le père (pour éventuellement le tuer) et de se trouver lui -même. Sur une trame narrative qui ressemble étonnament à celle d’Apocalypse Now (voix off  du narrateur comprise) et dans une mise en scène digne de 2001, l’Odyssée de l’espace, Ad Astra est une manière pour James Gray de rendre hommage à ses pères en cinéma (FF Coppola et Stanley Kubrick, entre autres). Noir, tourmenté  et claustrophobique, le film n’est peut être pas le chef d’oeuvre annoncé, mais il impressionne tout de même par la puissance de sa mise en scène et par sa représentation immersive de l’espace intersidéral. Brad Pitt, impeccable,  n’a pas grand chose à faire pour  donner de l’intériorité à son personnage: il est enfermé pendant deux heures dans des capsules ou des scaphandres et le plus souvent seul, engagé dans une odyssée intérieure,  à 4000 milliards de kilomètres de la Terre. Là où personne ne l’entendra crier sa douleur d’avoir été un fils sans père.  Mais la solitude est le fardeau commun à l’humanité, nous dit James Gray en manière de consolation.

Une année qui commence par un grand disque d’Eminem ne peut pas être tout à fait catastrophique. Balancé par surprise sur les plateformes de streaming le 17 janvier,  avant sa parution en physique le 31 (dont on se dépêchera de faire l’acquisition vu la beauté du visuel), Music to be murdered by n’est pas un album de plus  d’Eminem. Cette fois,  on sent qu’il y a vraiment mis ses tripes. Avec même un coté militant bienvenu,  contre la vente libre des armes à feu  (voir  le clip de Darkness).  Le titre et le visuel de l’album font référence  à un album qu’Alfred Hitchcock avait enregistré en 1958 et on peut entendre la voix du maître du suspense sur deux interludes (Alfred).  Comme d’habitude , la liste des featurings, d’Ed Sheeran à Q-Tip,  est longue comme le bras. Mais ce qu’on retiendra surtout c’est que Dr Dre a produit tout l’album, et ça s’entend. Ce qui s’entend aussi, outre sa technique insurpassable, c’est la rage et le désespoir qui n’ont  pas quitté le rappeur blanc depuis ses débuts, malgré le succès et l’embourgeoisement qui va forcément avec.  Elles trouvent ici un parfait exhutoire.

Un énième bouquin sur les Tontons ? Non LE bouquin.Celui qui fera référence dans les universités et les écoles de cinéma. Signé du biographe de Michel Audiard et Lino Ventura, notre estimé confrère marseillais Philippe Durant, ce petit ouvrage incroyablement documenté dynamite la concurrence façon puzzle.Fruit de recherches maniaques dans toutes les sources documentaires possibles et imaginables (et même inimaginables) il recense tout ce qu’il est humainement possible de savoir et de comprendre sur le film ultra culte du regretté Georges Lautner. Sous une forme qui rend hommage à la verve audiardesque, qui plus est. Un must absolu.

Le pitch 

Le sous-titre explique de quoi il s’agit : « En studio avec Serge Gainsbourg ». L’ouvrage, incroyablement documenté, exhaustif et richement illustré, explore, album par album, la discographie de Serge Gainsbourg avec un sérieux digne d’une thèse universitaire. L’auteur a interviewé des dizaines de musiciens, producteurs et techniciens qui ont aidé Gainsbourg à enregistrer ses chansons.Il a retrouvé les manuscrits, les partitions, les fiches de studio, des photos jamais publiées… Tout y est. Et, loin d’être indigeste, c’est passionnant. Le format broché à couverture souple est idéal pour réécouter, livre en main, tous les albums du grand Serge et en redécouvrir les richesses.

Alors que la tournée d’adieu de NTM vient de s’achever avec un dernier concert parisien retransmis en direct par France Télévision (voir vidéo), les éditions de La Martinière publient ce beau livre issu de la longue collaboration de la photographe Gaelle Ghesquière avec le duo Kool Shen/JoeyStarr. Jeune photographe de presse, Gaële Ghesquière a shooté le groupe pour la première fois en 1997 et elle a su s’immiscer dans le premier cercle et y rester,  jusqu’à cette dernière tournée dont elle a également suivi les préparatifs. Ses images offrent une vision intime du plus grand groupe de rap français, enrichie par de nombreux témoignages de proches. Un magnifique ouvrage qui deviendra vite collector.

« Rock’n’roll à donf‘ » C’est ainsi que Dick Rivers présentait sa tournée 2018.  Entouré  du groupe canadien du guitariste Robert Lavoie,  le rocker Niçois jouait un répertoire composé de ses grands succès  et de reprises de classiques du rock en VO et en VF, en sachant sans doute qu’il n’irait  pas au bout de ses engagements qui courraient jusqu’à fin 2019. On le vit ainsi à Nice en décembre 2018, fatigué mais heureux de revenir enfin jouer dans sa ville natale. Il était temps : le 24 avril 2019, jour de son 74e anniversaire, Dick nous quittait, victime du cancer qui le rongeait. Il reste heureusement un témoignage de ces derniers concerts avec cet album live enregistré pendant la tournée. On peut regretter qu’il n’ait pas bénéficié d’une meilleure production, ni d’une distribution en dehors du site dick-rivers.com, où il faut le commander. Jusqu’au bout Dick aura donc été mal traité par l’industrie musicale.  Mais l’important,  c’est que le CD existe et qu’il restitue bien l’ambiance « rock’n’roll à donf‘ » de cette dernière tournée,  pour laquelle Dick était entouré d’un des meilleurs groupes qu’il ait jamais eu. Le packaging est très soigné, avec une belle photo de pochette et un livret complet avec la setlist, les dates de la tournée et des photos sur scène et  en coulisses.